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Über die beste Ära des Kinos wird es immer viele Debatten geben. Für meinen Teil kann ich mit großer Zuversicht sagen, dass die 70er Jahre die beste Zeit in der Geschichte des Kinos waren.
In diesem Jahrzehnt gab es sicherlich einen Übergang, der das Kino der späten 60er Jahre bis zur Geburt des Blockbusters, wie wir ihn heute kennen, fortsetzte.
Wir könnten die 70er Jahre fast in zwei Kategorien einteilen, obwohl ich auch Unterkategorien wie die Blaxploitation-Zeit erwähnen werde. Einerseits begannen die Regisseure, sich so weit wie möglich vom traditionellen Hollywood-Produktionscode zu entfernen.
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Grenzen wurden verschoben und Optimismus durch zutiefst pessimistische Arbeit ersetzt. Nicht alles hatte ein Happy End. Die Dinge wurden immer düsterer und spiegelten eine schwierige Zeit in der Sozialgeschichte wider, als wir von der Ära der Bürgerrechte zu der von Nixon, Vietnam und den wirtschaftlichen Kämpfen im Westen übergingen. Letztlich würde es von Spannungen im Fernen Osten zu Spannungen mit Russland kommen.
Der letzte Weltkrieg war noch relativ jung und die gewalttätigen Konflikte der späten 1960er Jahre und das mit diesen Konflikten einhergehende Unbehagen machten diese Zeit zu einer besorgniserregenden und beunruhigenden Zeit in der Sozialgeschichte. Wie bei allen Dingen spiegelt sich dies im Kino wider.
Dies kann manchmal auf verschiedene Arten funktionieren. Es gibt entweder eine Tendenz zum sozialreflexiven Kino oder eher zum eskapistischen Kino, und gegen Ende der 70er Jahre erlebten wir den Übergang vom ersteren zum letzteren.
In den frühen 1970er Jahren boten diese mutigeren Filme und eine neue Welle frischer und belebender Regisseure, wie beispielsweise Francis Ford Coppola und Martin Scorsese
Ebenso würde eine Gruppe außergewöhnlich vielversprechender Schauspieler (und Schauspielerinnen) wie Robert De Niro, Al Pacino, Dustin Hoffman, Jack Nicholson, Meryl Streep und Harvey Keitel eine Vorreiterrolle bei der Ersetzung der eher untypischen Stars Hollywoods übernehmen. Cary Grant- Form usw. Sie würden weiterhin den Weg beschreiten, den jemand wie Marlon Brando begonnen hatte.
Der methodische Ansatz wird in dieser Zeit viel verbreiteter werden und einen mutigen und mutigen Ansatz für zukünftige Akteure fest etablieren. In ähnlicher Weise wurden in der Komödie die körperlichen Possen von Jerry Lewis Woody Allen und Albert Brooks ersetzt . Was wir in jüngerer Zeit als Mumblecore kennen, basiert stark auf den Werken von Allen usw.
Ohne allzu sehr ins Detail zu gehen, wie diese Filme funktionierten, denn jeder Film, den ich nennen könnte, wäre für sich genommen ein Buch mit Theorien wert, versteht sich von selbst, dass die Menge an klassischem Kino, die in diesem Jahrzehnt entstanden ist, atemberaubend ist.
Ja, es wäre viel zu einfach, nur mit dem Finger auf zwei Paten zu zeigen und sie als den Gipfel des Kinos zu bezeichnen. Es sind zweifellos Meisterwerke. Wir wissen warum. Also werde ich sie meiden. Ihr Ruf eilt ihnen voraus.
Um bei Coppola zu bleiben, werde ich ein wenig über ein klassisches Beispiel eines Films sprechen, der den Kinoansatz der 70er Jahre perfekt verkörpert. Er war zeitgemäß, zum Nachdenken anregend und düster. Es war auch ein Beispiel für einen der unglücklichsten Filme in der Geschichte eines Regisseurs.
Dieser Film könnte nicht schlechter platziert sein als er war, denn durch die Platzierung selbst wurde der Film in ein schwarzes Loch gesaugt. Es wurde völlig überschattet von dem, was ihm vorausging und folgte.
Das ist „The Conversation“, der minimalistische, schlichte, reduzierte Film, der zwischen Coppolas ersten beiden grandiosen Filmen „Der Pate“ liegt. An sich ist „The Conversation“ ein brillanter Film. Es ist ein Meisterwerk. Fesselnd, intelligent, außergewöhnlich geschrieben und auf seltsame Weise wirkt es wie ein nachträglicher Einfall. Es scheint, als würde sie die Zeit füllen.
Es füllt eine Lücke zwischen Gangsterepen. Von jedem teuren und aufwändigen Versatzstück, von der Inszenierung und dem Schnitt von „Der Pate“ bis zum wunderbar einfachen Rahmen und der Stille von „Das Gespräch“.
Dieser Film verdient es, in den Top 100 zu sein. Okay, er hat vielleicht nicht das ikonische Design von Coppolas außergewöhnlichem Gangster-Duo (wir werden den dritten Teil nicht erwähnen), aber Gene Hackman liefert eine seiner introspektivsten und wirkungsvollsten Darbietungen Ein Film mit exquisitem Sounddesign und einer spannenden Darstellung eines Nervenzusammenbruchs aufgrund von Paranoia.
Ich kann denjenigen, die es verpasst haben, gar nicht genug betonen, aber Sie müssen sich unbedingt „The Conversation“ ansehen.
Coppola beendete das Jahrzehnt mit einem ausgedehnten Kriegsepos, das stilistisch das Gegenteil des geradlinigen Ansatzes ist, den er im oben genannten Hackman-
Apocalypse Now war eine mühsame Prüfung. Es hätte Martin Sheen fast das Leben gekostet. Coppola verfolgte dabei einen perfektionistischen Ansatz. Jedes Bild jeder Szene ist Kunst. Es ist ein atemberaubender Film mit eindrucksvollen Bildern, die wunderbar mit dem düsteren Horror dessen, was er tatsächlich darstellt, harmonieren.
Alles, von den riesigen, visuell umwerfenden Bühnenbildern bis hin zur Intimität von Marlon Brandos unheimlicher, aber äußerst eindringlicher Darbietung, ist ein genreprägendes Werk des Genies.
Wenn es etwas gibt, das den Standard der 70er-Jahre im Vergleich zum Rest perfekt verkörpert, dann ist es Coppolas Lebenslauf. Er hat in den 80ern großartige Arbeit geleistet (ich liebe Rumble Fish), aber nichts wie die Corleone-Saga, sein Epos Nam oder sogar The Conversation.
Scorsese begann mit Mean Streets, einem rohen und stilvollen Gangsterfilm, der eine (damals) weitaus weniger romantisierte und moderne Darstellung der ... nun ja ... gemeinen Straßen zeigte.
Die 1970er Jahre waren eine Zeit des rauen und experimentellen Scorsese. Der große Moment nahte und die nervöse, kreative Lebhaftigkeit, die er am Ende des Jahrzehnts mit „Raging Bull“ erreicht hatte, erreichte gewissermaßen ihren Höhepunkt.
In den frühen 80er Jahren hatte er sein Handwerk perfektioniert und in zehn Jahren würde er mit Goodfellas . Einer seiner stilvollsten und introspektivsten Filme ist jedoch Taxi Driver .
Er ist ein aufstrebender Regisseur, voller neuer Ideen, mutig und instinktiv. De Niro war faszinierend. Fast 90 % dessen, was seine Darbietung so fesselnd macht, ist innerer Natur. Travis Bickle zieht das Publikum in seinen Bann und fordert unsere Aufmerksamkeit und Interpretation.
Der Film ist anders als alles, was Scorsese seitdem gemacht hat. Letztlich war es auch zeitgemäß. Es war ein untypischer Film der 1970er Jahre und die romantischen Darstellungen von New York sind weitgehend verschwunden und durch Filme wie „Taxi Driver“ ersetzt. Siehe auch LA, Chicago und San Francisco. Die Filmemacher zeigten nun, was sich hinter den Kulissen abspielte.
Selbst in einem historischen Film war alles sehr modern. Chinatown zum Beispiel wirkte wie ein alter schwarzer Eukalyptusbaum, aber alles an der Stadt war (brillant) vom Pessimismus der 1970er Jahre geprägt.
In dieser Ära ging es nicht nur um Schlaghosen und große Haare, ganz im Gegenteil, und schon gar nicht filmisch. Jack Nicholson etablierte sich fest in der neuen Welle, während Roman Polanski als Regisseur begann, sich außerhalb Europas einen Namen zu machen (und bevor er sich für etwas eigentlich weniger Leckeres einen Namen machte).
Der Film, der ein so gutes Beispiel für ein (Robert Towne-)Drehbuch ist, wie Sie sehen können, ist unbestreitbar unheimlich und schreckt vor nichts zurück, was er darstellt, sei es Unternehmenskorruption, Polizei oder inzestuöse Vergewaltigung.
Als die unsterblichen Schlussworte „ It's Chinatown “ nach einem der düstersten und bewegendsten Enden des Kinos ausgesprochen werden, ist der Zuschauer gebrochen, aber der fesselnde und leidenschaftliche Zustand des Betrachtens wird gelöst. Chinatown bleibt Ihnen, wie viele Kinofilme dieser Zeit, im Gedächtnis.
Sie können eine ganze Reihe schwieriger, düsterer und kraftvoller Filme aus dieser Zeit sehen, von Big Budget bis Low Budget. The French Connection, Marathon Man , die herrlich rohen und gefühlvollen Badlands.
Wenn man einen Film wie „ All The President's Men“ , zeigt das ebenfalls, dass die Filmemacher keine Angst vor der unmittelbaren Geschichte haben. Sie beschäftigten sich mit dem Hier und Jetzt und ließen die Wunden nicht erst heilen.
Es gibt also eine Gruppe aufstrebender Stars und Regisseure, die neue und belebende Stile entwickeln. Doch etablierte Stars und Regisseure arbeiteten unterdessen weiter.
Brando , der in den 1950er Jahren die Spielregeln neu schrieb, produzierte immer noch ikonische Shows für Coppola. Sidney Lumet , ein Regisseur, der viele aufstrebende Regisseure der 70er Jahre inspirierte (darunter FFC und Scorsese), produzierte immer noch einige seiner besten Werke, wie „ Dog Day Afternoon“ und „Serpico“ (die mit ihren Darstellungen sozialer Unruhen keine großen Wellen schlugen). institutionelle Korruption).
Diese Ära war auch eine Schlüsselperiode im Exploitation-Kino. Regisseure wie Michael Winner („Death Wish“) und Abel Ferrara betreten die Arena. Ihr Kino war schlampig, ein wenig kitschig, aber seltsam aufschlussreich.
Zu den Überresten von „Death Wish“ gehören einige aufschlussreiche gesellschaftliche Kommentare. Es geht nicht nur um die städtische Umgebung von American City, sondern auch um die westliche Gesellschaft als Ganzes zu dieser Zeit. Dies ist ein Film, der genauso gut in London gedreht und gedreht werden könnte.
„Get Carter“ anschaut , scheinen die Briten sich tatsächlich von romantisierten Darstellungen des Stadtlebens verabschieden zu wollen. Wenn Figuren wie Coppola den Traditionalismus, wie starre Schießformen, Dreipunktbeleuchtung usw., auseinanderrissen. Sie haben auch ohne Grund die Grenzen der Bewertungskommission überschritten.
Es war eine Zeit, in der pornografische Filme weit verbreitet waren. Hollywoods Produktionscode stand in Flammen. Jeder stellte sein Geschmacks- und Anstandsniveau unter Beweis und versuchte sein Glück. Deep Throat, Debbie Does Dallas und andere.
Gleichzeitig erlebten wir mit dem Aufstieg des Blaxploitation- Kinos . Plötzlich entstand eine Population, an die man vorher nicht gedacht hatte.
Dazu hat natürlich auch die Bürgerrechtsbewegung beigetragen. Es war nicht nur das atypische Standardpublikum (von Hollywood oft als weiße Männer und bestenfalls als weiße Frauen angesehen), das ein realistischeres und raueres Kino forderte, es gab auch ein Minderheitspublikum, das etwas für sich selbst verlangte.
Während Pacino und De Niro usw. die ihr Ding machten (mit ihren eigenen ausgeprägten italienisch-amerikanischen Identitäten), sahen wir Stars wie Richard Roundtree , Fred Williamson , Pam Grier und Jim Killy in einer Sammlung angesagter, cooler, von Attitüde geprägter Exploitation-Filme.
Ob Shaft , Coffy oder Foxy Brown , diese Filme waren nicht ganz realistisch. Im Grunde handelte es sich um Comicfilme mit einem zitronigen, trashigen Touch.
In gewisser Weise waren diese Filme eine Möglichkeit, die Tradition und sogar die Hollywood New Wave (in der häufig schwarze Charaktere als Teil krimineller Banden usw. zu sehen waren).
All dies zeigt, wie wunderbar vielseitig das amerikanische und britische Kino war. Gleichzeitig gab es viel experimentelles Kino.
Die Leute wandten sich von Studiosystemen ab. Eine Gruppe von Absolventen von Filmhochschulen drehte ihre eigenen Low-Budget-Filme und fand Sprungbretter für größere Werke (Scorsese, Ferrara, FFC usw.).
Menschen wie Terrence Malick oder John Cassavetes waren in ihrem Stil und der Art, wie sie Geschichten erzählten, sehr ungewöhnlich. Insbesondere Cassavetes hatte einen sehr rohen Stil, aber in allem, was er tat, lag eine aufmerksame Wahrheit.
Interessantes Kino beschränkte sich natürlich nicht nur auf den Westen. Aber bis zu einem gewissen Grad holt es einfach das nach, was das östliche Kino und Europa bereits getan haben.
Unterdessen begann das osteuropäische Kino trotz der Spannungen in den Vereinigten Staaten Aufmerksamkeit zu erregen. Tatsächlich wird die Wertschätzung des Zuschauers für das Weltkino immer sensibler und offener für umfassendere Einflüsse.
Andrei Tarkovsky hat die Kunst und Ästhetik der Fotografie wunderbar mit dem bewegten Bild verschmolzen. Er ebnete den Weg für eine Gruppe russischer und osteuropäischer Regisseure. Das französische Kino hatte bereits einen großen Teil der Gruppe übernommen; Das amerikanische Kino befand sich nun in den späten 1950er- und weit in die 1960er-Jahre hinein, während Experimentalisten wie Godard weiterhin solide arbeiteten.
Wie gesagt, ich könnte jeder genannten Person einen ganzen Artikel widmen, bin mir aber nicht sicher, ob das Internet über genügend Speicherkapazität für mein Geschwafel verfügt. Auch die bereits erwähnten Polanksi und Milos Forman würden den Sprung aus ihren jeweiligen Ländern zu Hollywood-Ruhm schaffen.
Horrorfilme revolutionierten ihren Stil. Sie greifen die von Charakteren wie Hitchcock oder Michael Powell (Peeping Tom) gesäten Samen auf. Stilistische Ansätze werden erweitert und Grenzen in Bezug auf Videoüberwachung, Farben und Schnitt verschoben.
Schließlich werden die Dinge zunehmend düsterer (satanischer), furchteinflößender oder blutiger. Wir hatten „Der Exorzist“, „Rosemarys Baby“, „Das Omen“ und dann die Giallo-Filme, die aus Italien zu uns kamen . Dario Argento mit elektrisierenden Horrorfilmen wie Deep Red und Suspiria , einer Bewegung kreativer, grenzüberschreitender und kompromissloser Regisseure.
In den späten 70ern John Carpenter und schrieb die Regeln des Slashers neu, was in den 80ern zu einer Reihe von Nachahmungen und Franchises führte.
Wie ich bereits erwähnte, wurden die Dinge gegen Ende des Jahrzehnts allmählich klarer, da das Publikum nun ein wenig Flucht brauchte. Plötzlich sahen wir Hoffnung und Güte.
Hier und da ein wenig Fantasie. Von Dirty Harry , Deliverance und Don't Look Now bis hin zu Filmen wie Rocky, Unheimliche Begegnung der dritten Art , Grease und natürlich Star Wars . Heutzutage versuchen Filmemacher zunehmend, Einnahmen an den Kinokassen zu erzielen, anstatt das intellektuelle oder soziale Gewissen des Publikums herauszufordern.
In den 80ern gab es noch eine Mischung, aber die Landschaft veränderte sich definitiv in Richtung Fantasy. Ob Außenseitergeschichten oder Weltraumabenteuer. Es wurde immer schwieriger, die Realität der Post-Nixon-Nam-Ära Die Menschen wollten die Realität sehen, aber sie lebten sie auch. Sie brauchten etwas anderes.
Bei jemandem wie Rocky Balboa zum Beispiel zeigte es eine gewisse Hoffnung. Dass selbst in diesen schmutzigen Straßen für den einfachen Mann eine Chance auf etwas Größeres bestand.
Bandbreite von „Flickering Myth“ noch weiter auflockere, frage ich Sie beide, was Ihre Lieblingsfilme aus den 70ern sind und ob es tatsächlich eine bessere Ära für das Kino gibt?
Googeln Sie einfach eine Liste von Filmen aus den 70er Jahren, um zu sehen, was die herausragende (weltweite) Produktion dieses Jahrzehnts war. Ich glaube nicht, dass wir sie toppen können.
Hier finden Sie auch unsere Top 100 der besten in New York gedrehten Filme aus allen Epochen!
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