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Es wäre unmöglich, bei Tausenden von Filmen und einem Jahrhundert vor uns zu einem einstimmigen „Nein I“ zu kommen, aber gibt es jemanden, der Western mag und The Searchers nicht mag?
John Ford mag in „Stagecoach“ die Sprache des Westernfilms geschrieben haben, aber mit „The Searchers“ hat er seine Meisterschaft im visuellen Geschichtenerzählen unter Beweis gestellt und einen Film geschaffen, der das filmische Äquivalent der „Mona Lisa“ darstellt. „The Searchers“ war zu seiner Zeit konkurrenzlos und hat sich zu einer Ikone für diejenigen entwickelt, die ihre Filme ernst nehmen.
Francis Ford Coppola, George Lucas, Steven Spielberg und Martin Scorsese zählen ihn zu ihren tiefgreifendsten filmischen Einflüssen. Sogar Filmfans, die noch nie eine Filmschule besucht haben, diskutieren über die besten Kameraaufnahmen im Film.
Wenn das das Anschauen von „The Searchers“ genauso spannend macht wie der Besuch einer Vorlesung im Klassenzimmer, könnte nichts weiter von der Wahrheit entfernt sein. Die siebenjährige Suche von Ethan Edwards nach seiner von Indianern entführten Nichte hatte eine dramatische Wirkung epischer Poesie.
Verbittert und fanatisch beginnt Edwards eine innere Suche nach Gnade, die seine Reise durch das Monument Valley widerspiegelt. Die Quests enden gleichzeitig, als Edwards, der das Mädchen lieber töten wollte, als sie als Wilde auferstehen zu sehen, sie triumphierend in die Luft hebt und sie liebevoll in seinen Armen hält, wobei er vier Worte ausspricht, die seinen Western-Fans Tränen in die Augen treiben : „Lass uns nach Hause gehen, Debbie.“
Aber für Ethan gibt es kein Zuhause. Er hat zu viel gesehen, zu viel getan, um in die feine Gesellschaft aufgenommen zu werden. In der klassischen Schlussszene bringt Ethan Debbie zu ihrer Familie zurück, kann aber die Schwelle ihrer Hütte nicht überschreiten. Er bleibt draußen, eingerahmt in der Tür, und ist dazu bestimmt, sein ganzes Leben lang ohne den Komfort von Zuhause und Herd umherzuwandern.
John Waynes kompromisslose Darstellung eines der schärfsten tragischen Helden des Kinos hätte ihm einen Oscar einbringen sollen.
Doch es sollte noch mehr als ein Dutzend Jahre dauern, bis Wayne für seine Darstellung des Marschalls Rooster Cogburn in „True Grit“ (#60) endlich einen Oscar gewann.
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Bei seiner Veröffentlichung als Meilenstein in der Entwicklung des Westens gefeiert, handelt es sich bei „Stagecoach“ vordergründig um eine einfache Geschichte von acht Passagieren, die durch feindliches Gebiet reisen.
Aber unter der Oberfläche untersuchte Dudley Nichols‘ Drehbuch die widersprüchlichen Dynamiken zwischen den Charakteren – Männer und Frauen, Nord und Süd, hochgezogene und niedrige Augenbrauen, tapfer und feige – und die faszinierende Art und Weise, wie sich diese Dynamiken im Laufe der Reise verändern.
John Fords Entscheidung, John Wayne zu besetzen, gefiel dem Produzenten Walter Wanger nicht, der Gary Cooper wollte. Doch als „Stagecoach“ zum Vorbild für das Genre wurde, etablierte „The Ringo Kid“ die Figur von John Wayne: einem starken, unabhängigen Mann, der nach einem Moralkodex lebt, der nicht immer mit den Gesetzen des Landes übereinstimmt.
Er ist Frauen gegenüber respektvoll, aber wenn es um Romantik geht, ist er unbeholfen und schüchtern. Ringos mit gesenktem Kopf und zitternder Stimme gemachter Vorschlag, Dallas (Claire Trevor) zu prostituieren, ist die Art von ruhigem, ergreifendem Moment, den man in Western vor der Postkutsche nicht findet.
John Waynes Eingangsszene scheint bewusst so gestaltet worden zu sein, dass sie dem Genre eine bedeutende neue Präsenz verleiht, denn die Totaleinstellung der fahrenden Postkutsche nähert sich schnell einer Gestalt in der Ferne. Wayne zwingt die Postkutsche zum Anhalten.
Er steht mit gespreizten Beinen da, einen Sattel über die Schulter gehängt, und dreht seinen maßgeschneiderten Winchester. „Sieht so aus, als hätten Sie noch einen Passagier“, sagte er zu Fahrer Andy Devine, und Westernfilme würden nie mehr die gleichen sein.
Shane ist nicht nur eine Geschichte des Westens, es sind alle Geschichten des Westens: Viehzüchter gegen Siedler, die Zähmung der Grenze, der Showdown zwischen Gut und Böse und der Schütze, der Recht und Ordnung schützt (Alan Ladd), der dann fühlt sich fehl am Platz, wenn die Arbeit erledigt ist.
Jüngere Zuschauer neigen dazu, Shane durch die Augen von Brandon De Wilde zu erleben und seine Heldenverehrung für den in Wildleder gekleideten Außenseiter mit dem Revolver mit Perlengriff zu teilen.
Shane spricht sanft und höflich („Ich hoffe, es macht Ihnen nichts aus, wenn ich Sie durchschneide“), aber seine Reaktion auf den plötzlichen Lärm verrät, dass er ein Schütze ist. Alan Ladd war vielleicht nur 1,80 Meter groß, aber für den kleinen Joey (De Wilde) ist seine Präsenz überlebensgroß.
Wenn dieselben Zuschauer erwachsen werden und zum Film zurückkehren, sehen sie die emotionalen Schichten erwachsener Beziehungen, die der Geschichte eine größere Resonanz verleihen.
Marian (Jean Arthur) warnt Joey davor, sich zu sehr an Shane zu binden, aber es ist klar, dass sie versucht, sich selbst zu warnen. Ihr Ehemann Joe (Van Heflin) erkennt ihre Anziehungskraft und die Art und Weise, wie sein Sohn Shane vergöttert, aber er tut nichts und hofft, dass Shane das Richtige tun wird, wenn die Zeit gekommen ist.
Jede Szene funktioniert, jede Darbietung klingt wahr. Regisseur George Stevens verwandelt die Entfernung eines Baumstumpfes in einen Moment der Hochstimmung.
Das Lächeln, das Shane und Joe tauschen, als sie in ihrer Schlägerei im Gemischtwarenladen den Spieß umdrehen, ist unwiderstehlich ansteckend. Jack Palance setzte als Verkörperung des Bösen einen Maßstab für westliche Schurken, der noch nicht übertroffen wurde. Und De Wildes klagende Schreie „Komm zurück, Shane!“ bis zur Überblendung noch im Gedächtnis nachklingen.
Der Titel gibt den ersten Hinweis auf John Fords Absicht. Obwohl „My Darling Clementine“ auf Wyatt Earps fragwürdiger Biografie „Frontier Marshal“ basiert und die Ereignisse im Vorfeld der Schießerei in OK Corral verfolgt, konzentriert sich Ford auf die Romanze zwischen Wyatt (Henry Fonda) und Clementine (Cathy Downs).
Die Schießerei ist zwar spannend, aber bei weitem nicht die denkwürdigste Szene des Films. Die ruhigeren Momente – der Kirchentanz, die urkomische Haarwasser-Szene, Docs Shakespeare-Monolog – sind die unauslöschlichsten.
Es ist der schönste Schwarz-Weiß-Western, der je gedreht wurde. Tatsächlich lohnt es sich, den Film einmal ohne Ton anzusehen, um das vom Kameramann Joseph MacDonald geschaffene Hell-Dunkel besser zu würdigen.
Es läuft ständig im Fernsehen – TBS, AMC, TNT – als nächstes kommen wahrscheinlich Food Network und Animal Planet. Und wenn es beim Sendersurfen erscheint, können Sie es nicht ausschalten, sei es zu Beginn, wenn Yul Brynner sein Söldnerteam rekrutiert oder wenn die „Sieben“ das rasante mexikanische Dorf aus Elmer Bernsteins „Bomp-BUMP“ betreten -Bump-Bomp“-Filmmusik oder auf dem Höhepunkt des Films während der knallharten Schießerei mit den bösartigen Räubern, angeführt von der dämonischen Calvera (Eli Wallach).
Es basiert auf Akira Kurosawas Film „Die sieben Samurai“, ist aber kein hochkarätiges Museumsstück. Während die vorherigen vier Filme auf dieser Liste zu Recht als Kinokunst gefeiert werden, hat „The Magnificent Seven“ keinen anderen Anspruch, als der ultimative Cowboy-Popcorn-Streifen zu sein.
Es war ein Western zu einer Zeit, als sie sonst niemand produzierte. Es dauerte sechs Stunden, nachdem die landesweite Aufmerksamkeit auf die Länge eines Madonna-Videos gesunken war.
Darin waren Robert Duvall in den Fünfzigern und Tommy Lee Jones in den Vierzigern zu sehen, als sich Fernsehwerber nur für den Jugendmarkt interessierten.
Und es wurde von Motown produziert, was keinen Sinn ergab. Aber 1989, an vier Abenden im Februar, schien es, als würden alle „Lonesome Dove“ schauen. Larry McMurtrys Geschichte über zwei pensionierte Texas Rangers und ihre Gespräche und Abenteuer während einer Transhumanz versuchte, „den Wilden Westen seines Glamours zu berauben“.
Aber es war auch ein Fest der Freundschaft, Loyalität und des Ertragens von Härten, Tugenden, die seit langem mit dem Genre verbunden sind.
Kein klassischer Western spaltet Filmfans mehr als der Film High Noon. Carl Foreman, ein auf der schwarzen Liste stehender Drehbuchautor, stützte den Film auf seine persönlichen Erfahrungen, daher die kalte Haltung, die Marschall Will Kane an den Tag legt, wenn er seine Gemeinde um Hilfe bittet.
John Wayne und Howard Hawks sind empört darüber, dass Kane versucht, Amateure für seinen Kampf zu rekrutieren und Rio Bravo dazu zu bringen, die Zuschauer daran zu erinnern, wie der Westen gewonnen wurde. Aber das Publikum liebte High Noon mit seinem verletzlichen Helden (Gary Cooper, der den Oscar als bester Hauptdarsteller gewann), der charmanten Newcomerin Grace Kelly und dem eindringlichen Titelsong.
Der Film war spannend und spannend, seine Geschichte wurde in den Gesichtern seiner Charaktere und im unerbittlichen Ticken der Uhr erzählt.
„Nicht, dass es wichtig wäre, aber die folgende Geschichte ist wahr.“ William Goldmans Ausspruch „Geschichte mit dem gewissen Etwas“ verbindet Fakten und Legenden zu einem temperamentvollen Abenteuer.
Butch und Sundance waren vielleicht nicht so leichtfertig oder hübsch wie Paul Newman und Robert Redford, aber Goldmans Drehbuch blieb nah an den Tatsachen, wie sie bekannt sind, und wenn Butch und Sundance nicht wirklich von dieser Klippe gesprungen sind, um einer Gruppe zu entkommen, dann doch hätte es tun sollen.
Die kraftvolle Chemie von Redford und Newman hat Legionen von Nachahmungsversuchen inspiriert. Das Duo brachte im Alleingang den „Buddy Film“ hervor, und der nachhaltige Einfluss von Butch Cassidy und Sundance Kid ist in so unterschiedlichen Filmen wie 48 Hours und Shanghai Noon zu sehen.
Wir wussten, wir wussten immer, selbst als wir in unzähligen Filmen die Kavallerie anfeuerten, dass die Geschichte von den Siegern der Konflikte auf der Welt geschrieben wird und dass die indigene Bevölkerung Amerikas den Preis dafür bezahlt hat.
Mit „Der mit dem Wolf tanzt“ sahen wir endlich die andere Seite der Geschichte und wie passend es war, sie mit den Augen eines amerikanischen Soldaten zu sehen. „Der mit dem Wolf tanzt“ wurde zu einem persönlichen Kreuzzug für Kevin Costner, der Co-Produzent, Regisseur und Hauptdarsteller war und sich die Finanzierung im Ausland sicherte, nachdem er eine Reihe von Hollywood-Studios durchlaufen hatte.
Seine Leidenschaft wurde mit sieben Oscars und einer Erweckung unseres nationalen Bewusstseins belohnt.
Dies ist der Film, den Clint Eastwood machen musste, bevor die ausdruckslose Persönlichkeit, die er durch die Sergio-Leone-Filme und seine andere Signatur, Dirty Harry, geschaffen hatte, zur Falle für die Presse wurde. In seinem 1976 erschienenen Buch „The Filming of the West“ sagte der Filmhistoriker John Tuska voraus, dass Eastwoods Karriere wahrscheinlich nicht von Dauer sein würde.
Im selben Jahr stellte der Gesetzlose Josey Wales eine neue Art Eastwood-Charakter vor: immer ruhig, immer tödlich, aber auch mitfühlend und emotional verletzlich.
Der Titel beschreibt, wie die Gesellschaft Josey Wales – einen Gesetzlosen – ausschließlich auf der Grundlage der Umstände beurteilen wird, doch als seine Suche abgeschlossen ist, wird er wieder zum Bauer Josey Wales in einer Szene, die Hoffnung für die Zukunft bietet.
Sogar diejenigen, die TV-Western auf einen niedrigeren Status als ihre Kinokollegen herabstufen würden – und wir wissen, dass Sie uns einige Neuigkeiten mitteilen werden – müssen die Größe von Gunsmoke erkennen.
Die Serie umfasste zwei der prägendsten Jahrzehnte in der Geschichte der amerikanischen Popkultur, von Marilyn Monroe bis Farrah Fawcett; von „Rock Around the Clock“ bis „The Hustle“; von „The Searchers“ bis „Godfather“.
In all dem war James Arness als Marschall Matt Dillon zu sehen, der groß im Sattel saß und vor nichts Angst hatte, außer vielleicht vor seiner Ehe mit Miss Kitty.
Gab es jemals ein ungewöhnlicheres romantisches Paar als Tom Destry, Jimmy Stewarts entspannter, Milch trinkender Anwalt, und Marlene Dietrich, eine derbe Sängerin mit deutschem Akzent und dem unerklärlichen Namen Frenchy?
Destry Rides Again verpackt unvergessliche Songs (Dietrichs „See What the Boys in the Back Room Will Have“) und unvergessliche Szenen (ein heftiger Muschikampf zwischen Dietrich und Una Merkel) in 94 makellosen Minuten.
Der Film wäre länger gewesen, wenn bestimmte Zeilen die Zensur passiert hätten, etwa wenn Dietrich eine Pokerrunde gewinnt und die Münzen in seine Bluse fallen lässt, was einen Cowboy dazu veranlasst, zu sagen: „In diesen Hügeln ist Gold.“
Die Verbindung zwischen Rio Bravo und High Noon zu kennen, ist ein interessanter Teil der Hollywood-Geschichte , aber es ist keine Voraussetzung, um die aufregende Mischung aus Action, Comedy, Romantik und Musik zu genießen.
Dean Martin und Angie Dickinson gesellen sich zu den ehemaligen John Wayne und Walter Brennan, und wenn die Besetzung von Ricky Nelson ein offensichtlicher Versuch von Howard Hawks war, die Einspielergebnisse bei Mädchen im Teenageralter anzukurbeln, so steuerte der Junge zumindest ein nettes Duett mit Martin in der Ballade „My Rifle“ bei , Mein Pony und ich“. Und das Positive daran: Es hätte Fabian sein können.
„Der schnellste Mann mit einer Waffe, der je gelebt hat … war ein großer, dünner Texaner namens Ringo.“ Wir haben Schützen als Helden und Bösewichte, als Gesetzeshüter und Söldner gesehen. Aber Jimmie Ringo (Gregory Peck) ist der Star-Schütze.
Gefangen im Ruhm, Gegenstand von Klatsch, Verachtung und Bewunderung, kann Ringo nicht in einer Bar einen Drink bestellen, ohne Aufmerksamkeit zu erregen. „Für mich sieht er nicht so hart aus“, spotten viele neidische Punks. Berühmte letzte Worte.
„Red River“ ist für Kinobesucher gedacht, die keine Western mögen, aber unweigerlich entdecken, dass John Wayne schauspielern kann und dass es in Filmen über Cowboys und Viehtriebe auch um etwas anderes als Cowboys und Viehtriebe gehen kann.
Anspielungen auf „Meuterei auf der Bounty“ durchdringen den Vater-Sohn-Konflikt zwischen Wayne und Montgomery Clift, und ihr nackter Handkampf symbolisiert ihre reale Rivalität „ altes Hollywood gegen junges Hollywood “.
Das Happy End spaltete das Publikum, aber Regisseur Howard Hawks liebte beide Charaktere zu sehr, um einen von ihnen sterben zu lassen, und es ist schwer, ihm die Schuld für seine Entscheidung zu geben.
Jüngste Studien haben „Once Upon a Time in the West“ als die Krönung von Sergio Leones Werk favorisiert, aber für diejenigen, die Leones Werk nicht von seiner berühmtesten Figur trennen können, ist „The Good, the Bad, and the Ugly“ der ultimative Western-Spaghetti.
Es enthält alle charakteristischen Elemente: staubige und trostlose Landschaften, amoralische Charaktere wie Tuco (Eli Wallach), die nur auf Profit aus sind, ein Showdown in einer kreisförmigen Arena, der an Gladiatoren in einem Kolosseum erinnert, eine Partitur, deren pfeifendes Thema von Ennio Morricone ist sofort erkennbar und Clint Eastwood als der namenlose Mann, gekleidet in Seren und vernichtend Cherubim.
Im Jahr 1961 hatte dieser Film keine Chance, als Hauptdarsteller und Regisseur Marlon Brando drei Jahre lang über jeden Kamerawinkel und jede Zeilenlesung nachdachte.
Es verbreitete sich, dass der New Yorker Schauspieler einen künstlerischen Western drehte, und One-Eyed Jacks wurde mit einer Mischung aus frostigen Kritiken und öffentlicher Gleichgültigkeit veröffentlicht.
Heute, da die Geschichte vergessen ist, schätzen wir diese Saga voller Täuschungen um zwei ehemalige Komplizen, von denen der eine von Rache besessen, aber dennoch zur Erlösung fähig ist, während der andere ein wildes Wesen hinter dem Abzeichen eines Sheriffs verbirgt.
Für die Generation X, die Brando nur als den Mann kennt, der Larry King geküsst hat, gibt es hier den Beweis, dass er einst ein cooler Mann war.
Die beste Vorspannsequenz endet damit, dass William Holden knurrt: „Wenn sie sich bewegen ... töte sie!“ gefolgt vom sepiafarbenen Standbild „Regie: Sam Peckinpah“.
Das sagt alles. Der ursprüngliche 144-minütige Director's Cut wurde fast unmittelbar nach der Veröffentlichung des Films geschnitten, aber für die Veröffentlichung auf Video und DVD wiederhergestellt.
Die neuen Szenen vertiefen die Bindung zwischen Pike (Holden) und Robert Ryan, einem ehemaligen Bunch-Mitglied, das auf Holdens Spur zum Kopfgeldjäger wurde. Nach 30 Jahren finden wir endlich heraus, wie Pike hinken konnte.
Rance Stoddard (James Stewart) spielt einen erbärmlich bescheidenen Anwalt, der nicht in der Lage ist, den sadistischen Gesetzlosen Liberty Valance zu töten. Aber genau das hat die Geschichte aufgezeichnet, denn „wenn die Legende zur Tatsache wird, drucken Sie die Legende aus.“
Lee Marvin liefert uns einen wunderbaren Bösewicht für alle Ewigkeit, und die John-Wayne-Imitatoren fanden in den erniedrigenden Anspielungen des Herzogs auf Stewarts Charakter als „Pilgrim“ einen Grundpfeiler für ihre Rolle.
Tatsächlich entstanden vor der Produktion von „The Great Train Robbery“ zwei Western-Kurzfilme: 1898 drehte Thomas Edison die fünfminütigen Sequenzen „Cripple Creek Bar-room“ und „Poker in Dawson City“.
Aber es war „The Great Train Robbery“, eine Nachbildung eines Raubüberfalls des sehr beliebten Butch Cassidy und seiner Bande von Wilden einige Jahre zuvor, der den wahren Beginn des Westerns markierte.
Wir erinnern uns traurig daran, und die Wahrheit ist, dass wir es nicht tun sollten. Obwohl es unmöglich ist, Fakt und Fiktion zu trennen, wenn EW Hostetler (Jimmy Stewart) John Bernard Books (John Wayne) erzählt: „Du hast Krebs“ (Wayne erlag 1979 der Krankheit), konnte kein Star-Kino dies besser würdigen Ende.
Mit seinem Auftritt in „The Shootist“ schenkte der Herzog seinen Fans (und seiner Partnerin Lauren Bacall) eine letzte Valentinsgrüße, seinen Kritikern eine letzte Himbeere und eine Elegie auf den amerikanischen Westen, die – um Andrew Sarris zu paraphrasieren – das Überleben gewisser Überreste darstellt Tugenden in einer Zeit des heuchlerischen Relativismus.
Henry Fonda kam uns nie wie ein knallharter Kerl vor, aber in der Fortsetzung von Sergio Leones Dollars-Trilogie spielt Fonda einen der abscheulichsten Söldner aller Zeiten.
Es ist verstörend, als würde man sehen, wie Mr. Rogers einem Kind einen Wedgie gibt. Vierzig Minuten Kürzungen machten die amerikanische Originalveröffentlichung zunichte, doch 1984 erwachte der Film schließlich wieder zu seinem vollen Glanz.
„Hier sind sie also, die hundegesichtigen Soldaten, die Stammsoldaten, die 50-Cent-pro-Tag-Profis, die auf den Außenposten der Nation reiten.“
Der Mittelteil von John Fords Kavallerie-Trilogie zeigte seine Aktiengesellschaft in ihrer sentimentalsten Form und zeigte das Oscar-prämierte Foto von Monument Valley in Technicolor.
Der Herzog, dessen angeborene Autorität bei der Darstellung älterer Charaktere zu seinen Gunsten wirkte, fand in der des pensionierten Offiziers Nathan Brittles eine seiner unauslöschlichsten Rollen.
Ist es wirklich fast zehn Jahre her, dass dieser Film den Oscar für den besten Film und Clint Eastwood den Preis für die beste Regie gewonnen hat?
Um dieses Projekt zum Leben zu erwecken, tauschte Eastwood seinen Status als letzter Förderstar des Genres aus, um einen Western auf einem jugendorientierten Markt produzieren zu lassen, und fertigte dann eine düster-poetische Charakterstudie an, die in unserem Mythos eher verurteilt als gefeiert wurde des Westens.
Wenn jemand über 60 einen Oscar gewinnt, geht man davon aus, dass es sich um eine Karriereauszeichnung handelt. Das größte Kompliment, das man Eastwood und Unforgiven machen kann, ist, dass niemand auch nur auf die Idee gekommen ist, danach zu fragen.
Die meisten Leute entdeckten Tombstone, nachdem es gedreht wurde. Wie Wyatt Earps „anderer“ Film wurde er von Kevin Costners epischer Biografie überschattet, aber Tombstones unprätentiöse Begeisterung erinnerte uns daran, dass ein großartiger Western nicht in der Größenordnung von „Lonesome Dove“ oder „Der mit dem Wolf tanzt“ angesiedelt sein muss.
Kurt Russell sieht dem echten Wyatt erstaunlich ähnlich und Val Kilmers unvergessliche Version von Doc Holliday ist die beste Genredarbietung eines Schauspielers in den letzten 20 Jahren. Schnall dich an, Val – wir sind deine Blaubeere.
Er trug eine schwarze Maske und einen weißen Hut, eine verwirrende Kombination. Aber die Kinder wussten immer, dass er ein Freund war. Nur wenige Charaktere in der Westernliteratur sind so beliebt wie der Lone Ranger und Tonto, gespielt von Clayton Moore und Jay Silverheels.
Die inspirierte Paarung eines Cowboys und eines Indianers war ein Musterbeispiel für Rassenharmonie. Und bis heute kann man sich die Wilhelm-Tell-Ouvertüre nicht anhören, ohne zu denken: „Hallo, Silver!“
Wir lächeln, wenn wir es sagen – kein Westernroman ist dramatisierter gewesen als The Virginian. Der Film wurde bereits zweimal gedreht, bevor Gary Cooper im ersten abendfüllenden „sprechenden“ Westernfilm die Rolle der Tide spielte.
Nachfolgende Versionen erschienen 1946 und 2000, und eine Fernsehserie begann 1962 und lief neun Jahre lang. Aber es ist Coopers Virginian, an den wir uns erinnern, wegen seiner Meisterleistung und dem Zwirbeln des Schnurrbarts des Bösewichts Walter Huston.
Das Erstaunliche an Anthony Manns Western ist, wie vollständig jede seiner Figuren entwickelt ist, von der folkloristischen Version von Will Geer gegen Wyatt Earp bis zum diensthabenden Barkeeper in seinem Saloon.
Winchester 73, die Geschichte von „der Waffe, die den Westen gewann“, folgt Jimmy Stewart, während er die Herkunft seines gestohlenen Gewehrs durch eine Reihe zwielichtiger Besitzer verfolgt, die alle vom Karma der Grenze getroffen wurden.
Der Western hatte in den 1970er-Jahren Probleme, und als „Blazing Saddles“ in die Kinos kam, fragten sich die Fans, ob das eine Renaissance des Genres oder den letzten Nagel in seinem Sarg bedeutete.
Zehn Jahre später war es immer noch der Western mit den höchsten Einspielzahlen in der Geschichte. Mel Brooks‘ ekliges Meisterwerk enthielt genug lachende Momente für zehn Filme, von der berüchtigten Lagerfeuerszene bis zu Madeline Kahns Abschied von Marlene Dietrich.
Kinobesucher waren es gewohnt, die amerikanische Kavallerie mit schmetternden Kampftrompeten zur Rettung kommen zu sehen. John Ford wollte sich eingehender mit der Untersuchung eines typischen Regiments, der täglichen Arbeit von Soldaten in isolierten Außenposten, ihrem Privatleben und der Art und Weise befassen, wie sie mit der ständigen Bedrohung durch Angriffe umgehen.
Fort Apache eröffnete die historische Kavallerie-Trilogie mit der Erinnerung daran, dass manchmal die Guten nicht gewinnen.
Kann ein Mann, der nach dem Waffengesetz lebt, einen aufgeklärteren Weg einschlagen? Quirt Evans (John Wayne) ist auf der Spur der Rache und muss sich entscheiden: Entweder er tötet den Mann, der seinen Vater ermordet hat, oder er lässt sich mit einem netten Bauernmädchen nieder, gespielt von Gail Russell, dem sexiesten Quäkermädchen im Film. Ein unterschätzter Eintrag im Wayne-Kanon.
Eine publikumswirksame Komödie, die bei den Babyboomern mittleren Alters großen Anklang fand. Ein Trio von Freunden aus dem Big Apple (Billy Crystal, Daniel Stern und Bruno Kirby) nehmen an Jack Palances Viehtrieb teil und entdecken das einzige Geheimnis des Lebens. Palance gewann den Oscar als bester Nebendarsteller und ein Kalb namens Norman wurde zum beliebtesten Rind seit Ferdinand.
Die Firmencowboys aus der TV-Serie „Dallas“ fuhren in Mercedes-Benz Coupés umher und veranstalteten ihre Shows in Wolkenkratzern aus Glas und Stahl. Nicht gerade ein traditioneller Western, aber trotz der Exzesse der Seifenoper waren die Ewings Viehzüchter, die untereinander kämpften, aber stets dafür sorgten, dass sich die Wagen gegen eine Bedrohung von außen drehten.
Nun, Bobbys saisonabbrechende Dusche war ein Ausrutscher. Aber JR Ewing war mehr als ein Jahrzehnt lang Amerikas berühmtester Cowboy, und als er erschossen wurde, fragte sich die ganze Welt, wie er hieß.
Jimmy Stewart spielt einen rücksichtslosen Kopfgeldjäger, der, als ihm gesagt wird, dass sein Gefangener unschuldig ist, antwortet: „Sie werden die Belohnung auf ihn auszahlen.“ Robert Ryan ist großartig als manipulativer Bösewicht, der versucht, die unsichere Allianz zwischen Stewart und den Gefährten, die ihn auf der Spur begleiteten, aufzulösen. Ein weiteres intensives Psychodrama von Stewart und Anthony Mann.
Regisseur Raoul Walsh besetzte John Wayne für „The Big Trail“ auf Anraten von John Ford, der sagte, ihm gefiel „das Aussehen des Neulings mit seinem lustigen Gang“. Wayne entwickelte sich vom Statisten zum Hauptdarsteller, was ein großer Durchbruch gewesen wäre, wenn der Film ein Erfolg gewesen wäre.
Aber „The Big Trail“ ist immer noch sehenswert, nicht nur wegen Waynes frühem Karrierewerk, sondern auch wegen seiner bemerkenswerten Großbildpanoramen und kinoreifen Actionszenen, darunter die Überquerung eines Flusses während eines heftigen Sturms, der die Schauspieler fast ertränkt hätte.
Solange der Wind weiterhin über die Ebene weht, werden wir nicht müde, Zeit mit Curly, Laurie und Ado Annie zu verbringen und „Oh, What a Beautiful Morning“, „Surrey with the Fringe on Top“ und „People“ zu hören Will Say We're in Love“ und der Rest von Rodgers und Hammersteins großartiger Partitur „Oklahoma!
Henry Fonda, James Coburn und Charles Bronson ließen sich die Chance entgehen, in einer Western-Wiederaufnahme des japanischen Films Yojimbo einen namenlosen Drifter zu spielen. Regisseur Sergio Leone entschied sich für den Fernsehschauspieler Clint Eastwood, der einen Scheck über 15.000 US-Dollar für den Film einlöste, der ihn zu einem internationalen Star machte. Eastwood hat klugerweise die meisten seiner Zeilen aus dem Drehbuch entfernt, um den mythischen Charakter des Wanderers zu verstärken.
Ein Zug voller Gadgets, ein größenwahnsinniger Zwerg und Robert Conrad in sehr engen Hosen. Die Secret-Service-Agenten James West (Conrad) und Artemus Gordon (Ross Martin) waren das ursprüngliche dynamische TV-Duo in diesem actiongeladenen Parodie-Western. Nur ein einziges erneutes Ansehen wird alle Erinnerungen an den schrecklichen gleichnamigen Film von 1995 löschen.
Zu sagen, dass dies Australiens Beitrag zum Westen sei, ist kein großes Kompliment. (Es gibt nicht viel Konkurrenz.) Aber „The Man From Snowy River“ hat den mythischen Geist des Westens ebenso eingefangen wie jedes andere lokale Produkt, vielleicht weil es auf einer von den Australiern verehrten Legende basierte.
Tausende Male haben wir Pferde über eine riesige Fläche galoppieren sehen. Snowy River hat diese Szenen wieder inspirierend gemacht. Kritiker zuckten mit den Schultern; Das Publikum verliebte sich.
Mit Ausnahme der Eröffnungssequenzen wurde „The Ox-Bow Incident“ fast ausschließlich mit gemalten Hintergründen sowie künstlichem Licht und Schatten gedreht. Das Gefühl der Gefangenschaft passt gut zu dieser dunklen Geschichte über den Lynchmord an Unschuldigen und seine Auswirkungen auf die Bewohner der Stadt.
Ein typisches Anthony-Mann-Drama mit James Stewart, dem Lieblingscowboy des Regisseurs, der von Besessenheit getrieben wird. In ihrer neuesten Zusammenarbeit spürt Stewart die Männer auf, die Waffen an die Apachen verkauften, was zum Tod seines Bruders führte. Wenn Shakespeare eine westliche Tragödie geschrieben hätte, hätte sie vielleicht so ausgesehen.
Stimmungsvoll und sehr düster, mehr Film Noir als Pferdeoper, mit Robert Mitchum als langhaarigem Herumtreiber zwischen verfeindeten Viehzüchtern und Siedlern. Mitchum, in jeder Situation ein hinterhältiger Charakter, spielt den moralischen Relativismus so gut, dass wir ihm selbst dann nicht vertrauen, wenn er das Richtige tut.
Vom Winde verweht im Westernstil. Gregory Peck und Jennifer Jones bereisen die Wüste von Arizona in Technicolor. Produzent David Selznick verspricht „ein Bild von tausend unvergesslichen Momenten“. Die Öffentlichkeit nannte es „Lust in the Dust“. Melodramatisch, überdreht und einfach nur trashig – aber im guten Sinne.
„Es braucht eine Menge Zeit, Jahre, um eine Verbreitung aufzubauen. Ich habe sie nicht … Jahre, nicht mehr.“ Ein edler Cowboy in der Abenddämmerung, wunderschön fotografiert von Lucien Ballard und gespielt von Charlton Heston in einer seiner zurückhaltendsten Darbietungen. Schade, dass Kinogänger es vorzogen, ihn in einem anderen Film von 1968 gegen schmutzige Affen kämpfen zu sehen.
Ein Gegenstück zu High Noon mit einem charismatischeren Bösewicht. Jemand muss den gefangenen Gesetzlosen Glenn Ford im Zug um 15:10 Uhr beobachten, aber niemand will den Job außer einem verzweifelten Bauern (Van Heflin), der die 200-Dollar-Belohnung braucht, um seine Familie zu ernähren. Ein spannendes Psychodrama.
Der letzte Eintrag in John Fords majestätischer Kavallerie-Trilogie und das erste Team von John Wayne und Maureen O'Hara, ein Paar, das im Kinohimmel entstanden ist. Die Reihen der berittenen Soldaten im Monument Valley waren noch nie so inspirierend, aber der beste Moment ist, wenn das Regiment O'Hara ein Ständchen mit „I'll Take You Home Again, Kathleen“ singt.
14 Jahre lang waren die Abenteuer von Ben Cartwright und seinen Söhnen Adam, Hoss und Little Joe eine Sonntagabendtradition. Die Geschichten drehten sich mehr um die Familie als um Helden und Bösewichte, schreckten aber auch vor so ernsten Themen wie Drogenabhängigkeit und Rassenvorurteilen nicht zurück.
Es ist gut, dass diese vier Männer sich kennengelernt haben (und natürlich Hop Sing gesungen haben), denn die Lebenserwartung von Freundinnen auf der Ponderosa war erschreckend niedrig.
Burt Lancaster spielt Wyatt Earp und Kirk Douglas spielt Doc Holliday, und das ist so ziemlich alles, was Sie wissen müssen. Es ist die beste der vielen Kooperationen der beiden Stars, insbesondere mit Rhonda Fleming, einer der besten Westernschauspielerinnen, die sich uns anschließt. Die letzte Schießerei ist ein echter Schock.
Manchmal geschieht Magie zufällig. El Dorado scheint eine Übung in Bewegung zu sein; ein inoffizielles Finale einer Trilogie von Howard-Hawks-Western (Rio Bravo und Rio Lobo standen an erster Stelle), alle mit John Wayne in der Hauptrolle, in der die Geschichten mehr oder weniger austauschbar sind. Aber Wayne, Robert Mitchum und James Caan spielen das bekannte Material mit einem überzeugenden Augenzwinkern zueinander und zum Publikum.
Es war Clint Eastwoods erster Western, sowohl als Hauptdarsteller als auch als Regisseur, und er verlieh dem Satz „Male die Stadt rot“ eine neue Bedeutung. Clint Eastwood versucht sich an einem anderen Mann der wenigen Worte, aber seine Szenen mit dem kleinen Billy Curtis sorgen für unerwartete komische Erleichterung.
Niemand spielte den widerstrebenden Helden besser als James Garner, dessen lockerer Charme perfekt in diese entzückende Komödie passt.
Zu einer Zeit in der Fernsehgeschichte, als jede zweite Sendung ein Western war, hatten die Zuschauer noch nie eine Figur wie Paladin (Richard Boone) gesehen, den höflichen und raffinierten Scharfschützen mit der Visitenkarte eines Schachritters.
Ein Hotelangestellter aus Chicago befreit einen Cowboy von seinen Schulden und erhält dafür eine Anstellung bei seinem nächsten Viehtrieb. Eine schreckliche Ost-West-Zwietracht, verkörpert durch Jack Lemmon und Glenn Ford.
Clint Eastwoods „Mann ohne Namen“ trifft auf Lee Van Cleef, den Mann ohne Gesichtsausdruck. Es kommt zu Gewalt.
Annie Get Your Gun wird unter den großartigen MGM-Musicals oft übersehen, hat aber eine außergewöhnliche Filmmusik von Irving Berlin, Betty Hutton als Annie Oakley und mehr tanzende Cowboys als Gilley in seiner Blütezeit.
Die hervorragenden Fotografien von Gordon Willis unterstreichen diese Nachkriegsversion der alten Geschichte unabhängiger Züchter im Belagerungszustand des Großkapitals.
In „The Sons of Katie Elder“ wiederholen John Wayne und Dean Martin die Chemie aus Rio Bravo, als vier Brüder den Mörder ihres Vaters ohne die Hilfe der örtlichen Gesetzeshüter aufspüren.
Ein historischer Stummfilm mit dem ersten Cowboy-Helden der Leinwand, William S. Hart. Die spannende Szene des Landrauschs bleibt eine filmische Meisterleistung.
Ein respektloser, unkonventioneller Western mit James Garner in der Hauptrolle des umgänglichen Bret Maverick, eines Spielers, der, wenn Ärger ruft, immer bereit ist, aus dem Fenster zu klettern und wegzulaufen.
Der Herzog gewann schließlich einen Oscar für die Rolle des jähzornigen Marschalls Rooster Cogburn. John Wayne nannte Roosters Erinnerungen an sein Leben als Begleiter von Kim Darby „die beste Szene, die ich je gemacht habe.“
Regisseur George Stevens gewann den Oscar für die atemberaubenden Bilder von Giant, darunter das ikonische Bild von James Dean, der mit tief in der Stirn sitzendem Cowboyhut am Steuer eines Oldtimer-Roadsters sitzt.
Cecil B. DeMilles Grenzer-Epos über Wild Bill Hickok und Calamity Jane umgibt Gary Cooper und Jean Arthur mit 2.500 Sioux- und Cheyenne-Statisten. Beachten Sie den dramatischen Abspann im Star-Wars-Stil.
Was ist die beste Kneipenschlägerei in der Geschichte der Westernfilme? Das muss das Donnybrook in Dodge City sein, mit Errol Flynn, Olivia de Havilland und einem abgerissenen Saloon.
Zwei Western-Ikonen, Joel McCrea und Randolph Scott, kehren in Sam Peckinpahs poetischer Hommage an eine verschwindende Lebensweise in den Sattel zurück, um ihre Karriere krönende Auftritte zu erleben.
Lange bevor La Croisière in See stach, versammelte Wagon Train jede Woche verschiedene Gäste zu einer Expedition voller Ereignisse. Und im Gegensatz zum Wagenmeister Ward Bond musste Kapitän Stubing nie Angst vor Indianerangriffen haben.
Bob Hope gerät in Schwierigkeiten mit Gesetzlosen und wird von einer historischen Gruppe von Hollywood-Cowboys gerettet, darunter Roy Rogers, Gene Autry, Gary Cooper, Hugh O'Brian als Wyatt Earp, James Arness als Matt Dillon und Fess Parker als Davy Crockett .
Ein desillusionierter Sheriff, der zum Kopfgeldjäger wurde (Henry Fonda), unterrichtet in diesem spannenden Anthony-Mann-Klassiker einen unerfahrenen Gesetzeshüter (Anthony Perkins).
Amerika trifft Clint Eastwood als Rancher Rowdy Yates und singt zwischen Schleudertrauma das beste Westernlied, das jemals im Fernsehen gezeigt wurde.
Ein ehrgeiziger Versuch, den Old-School-Western des Autors Lawrence Kasdan wiederzubeleben, der es schafft, alle Klischees des Genres gleichzeitig zu würdigen und zurückzubringen.
Nachdem Regisseur John Ford 25 Jahre lang Indianer als Schießbuden-Enten dargestellt hat, wechselt er in seinem neuesten Western die Seite. Bewegend, aufrichtig und längst überfällig, auch wenn die Cheyenne-Chefs von Ricardo Montalban und Gilbert Roland gespielt werden.
Drei Cowboys finden ein Baby: John Fords Interpretation dieser oft verfilmten Geschichte ist auf eine gute Art sentimental und gab John Wayne die Chance, seine vertraute Rolle auf der Leinwand weiter auszubauen.
Die Reise durch den Wilden Westen wurde unauslöschlich festgehalten: ein unvergessliches Bild, wie der flüchtige Cowboy Kirk Douglas versucht, zu Pferd eine Autobahn zu überqueren.
Eine reine Farce als Biografie des berühmten Gesetzlosen, aber großartige Unterhaltung mit Tyrone Power als Jesse und Henry Fonda als seinem Bruder Frank und einigen der gefährlichsten Pferdestunts, die jemals gefilmt wurden.
Die provokativen Strömungen dieser Geschichte eines Söldners (Henry Fonda) und seines treuen Begleiters (Anthony Quinn) werden Freudianer stundenlang beschäftigen.
Tommy Lee Jones führt Regie und spielt die Hauptrolle in einem zarten und humorvollen Fernsehwestern mit einer hochkarätigen Besetzung (Frances McDormand, Sissy Spacek, Matt Damon).
Weibliche Hauptdarsteller sind in Western selten, daher ist es eine Freude zu sehen, wie der talentierte Jean Arthur mit nur minimaler Unterstützung von William Holden ein „Rootin' too tin“ hinlegt, ein Shoot-'em-up.
Urheberrechtliche Komplikationen und eine Reihe anderer rechtlicher Probleme verhinderten jahrzehntelang die Ausstrahlung dieser Komödie mit John Wayne und Maureen O'Hara in den Hauptrollen. Wir fragten uns, ob McLintock! war so gut, wie wir es in Erinnerung hatten, und dann wurde es auf Video veröffentlicht. Ja, das war sie.
Jane Fonda spielt die Titelrolle, eine Lehrerin, die zur Banditin wurde, aber Lee Marvin stiehlt den Film in einer Oscar-prämierten Doppelrolle, gekrönt von der lustigsten Interpretation von „Happy Birthday“ in der Kinogeschichte.
Dennis Weaver verkörperte den New-Mexico-Marschall Sam McCloud, der sich von Polizisten aus Manhattan wegen seines Schaffellmantels und seines Cowboyhuts belächeln ließ, bis er sie jedes Mal gegen die Bösewichte schlug.
Der zum Stuntman und Schauspieler gewordene Richard Farnsworth wartete 40 Jahre auf eine Hauptrolle und wurde dann über Nacht als alternder Zugräuber zur Sensation.
Republik ... wir lieben den Klang dieses Wortes. John Wayne spielt Davy Crockett in einer historisch ehrlichen Darstellung der berühmten Belagerung. Der zu seiner Zeit verachtete Film wird mit jeder Vorführung besser.
Die Moral dieser Geschichte ist, niemals eine Nonne beim Trampen mitzunehmen. Das seltsame Paar aus Clint Eastwood und Shirley MacLaine ist ein echter Hit.
Cecil B. DeMille ist eine typisch gewagte Mischung aus Geschichte und Fiktion, mit Barbara Stanwyck in der Hauptrolle in einer ihrer besten Rollen als hartes Mädchen.
Die Geschichte von Elmore Leonard, einem weißen Mann, der von den Apachen aufgezogen wurde, schlägt keine Wellen, wenn es darum geht, den Rassismus an der Grenze zu verurteilen.
Die Geschichte ist einzigartig unter den Fernseh-Western und geht weiter, indem sie das historische Leben von Wyatt Earp (Hugh O'Brian) bis nach Tombstone verfolgt, wo sich die Saga des OK Corral in fünf Episoden entfaltet.
Brillante Komödie mit einem furchtbar verdrehten Ende, mit Henry Fonda und Joanne Woodward als Bauernpaar, das seine Ersparnisse in einem Pokerspiel mit hohen Einsätzen riskiert.
In dieser liebenswürdigen, gut fotografierten Charakterstudie freundet sich ein entspannter Gesetzloser (Willie Nelson) mit einem entlaufenen Bauernjungen (Gary Busey) an.
Ein Feiertagsklassiker. Roy Rogers rettet Jack Holts Weihnachtsbaumgeschäft mit Hilfe einer Reihe westlicher Helden, darunter Rex Allen, Allan „Rocky“ Lane und Ray „Crash“ Corrigan.
Ranchbesitzer Kirk Douglas bringt seinen Willen mit dem einer Viehbaroness (Jeanne Crain) in Einklang und versucht gleichzeitig, Zäune von seiner Ecke der Grenze fernzuhalten.
Viele Western tragen den Titel „Big“. Warum dieser Film nicht mehr gefeiert wird, ist ein „großes“ Rätsel, obwohl er mit jeder Ausstrahlung auf Turner Movie Classics neue Fans gewinnt.
Die beste der vielen filmischen Biografien des berühmten Apache-Häuptlings, mit einer Darstellung von Wes Studi als Geronimo.
„Hey, Pancho!“ „Oh, Ceeesco!“ Wenn Sie als Kind nicht jeden Samstagmorgen diesen Austausch genossen haben, gilt unser tiefstes Beileid. Duncan Renaldo und Leo Carrillo spielten die berühmten mexikanischen Helden.
Ein gigantisches Leinwandepos, das drei Generationen einer Pionierfamilie erzählt. Lang, aber fesselnd, mit einem Dutzend Sternen und einer der besten Filmmusiken von Alfred Newman.
Romeo und Julia auf einer Ranch, mit Amerika und Mexiko als den umstrittenen Familien. Die Hochzeit von „Big John“ Cannon (Leif Erickson) und seiner mexikanischen Braut Victoria (Linda Cristal) läutete fünf Jahre voller anspruchsvoller Steine ein.
Der erste Western, der den Oscar für den besten Film gewann, spielt Richard Dix und Irene Dunne als Ostler auf dem Weg nach Westen. Veraltet, aber ein wesentlicher Schritt in der Reifung des Genres.
„Bloody Sam“ Peckinpah beweist mit diesem nachdenklichen Blick auf das Rodeo-Leben, in dem Steve McQueen als alter Bullenreiter die Hauptrolle spielt, dass er einen guten PG-Film machen könnte.
Barbara Stanwyck hatte ein Händchen dafür, in Grenzsituationen gut zu funktionieren, und sie fand ihre beste Westernrolle nicht im Kino, sondern in dieser beliebten Fernsehserie, die gutes Drama mit viel Action verband.
Sehen! Gene Autry kämpft gegen fackelschwingende Roboter! Nervenkitzel! Zu den Abenteuern der Sängerin im Königreich Murania! Lachen! Wie viel Spaß hatten wir früher im Kino, als Serien wie dieser ausgefallene Science-Fiction-Western vor dem Spielfilm erschienen.
In Clint Eastwoods erstem Film nach der Dollars-Trilogie spielt er die Rolle eines unschuldigen Rancher, der wegen Mordes verurteilt wurde. Ein lebhafter Versuch, Leones Spaghetti-Rezept in den USA nachzukochen.
Audrey Hepburn in einem Western ist Grund genug, sich diesen Film anzusehen, aber dieser John-Huston-Film bietet auch großartige Leistungen von Burt Lancaster und dem legendären Starlet Lillian Gish.
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