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Wir haben alle fünf Bezirke erkundet – so hoch wie der Turm von King Kong und so niedrig wie eine gekaperte U-Bahn – um Ihnen die besten New Yorker Filme zu präsentieren
Paradies und Gefängnis, geschäftige Metropole und der einsamste Ort der Welt: New York City hat eine filmische Identität, die alle Lebensbereiche berührt. Selbst wenn wir an diesem berühmtesten aller Orte unsere eigenen Geschichten schreiben, treffen wir auf fiktive Charaktere (und manchmal auch auf echte, wenn wir Glück haben).
Bei der Auswahl der 100 wichtigsten New Yorker Filme haben wir die Kühnheit der Stadt im Hinterkopf behalten. Wir kennen die Stadt in- und auswendig und können Ihnen die besten Unternehmungen, die besten Pizzerien und die besten Flüsterkneipen empfehlen.
Aber was ist mit den besten romantischen Komödien, die keine Woody-Allen-Filme sind? Tauchen Sie ein, drängen Sie sich höflich, finden Sie Ihren Platz oder fahren Sie aufrecht: Erzählen Sie uns, was wir verpasst haben. Es ist eine große Stadt.
Kommen wir also zu „The Big Daddy“, dem Film, den man im Spiegel zitiert, wenn man es satt hat („Sprichst du mit mir?“), dem Film, der einem immer in den Sinn kommt, wenn ein Taxi durch den Dampf fährt Von einem Kanaldeckel, der dich in die Hölle bringt.
Das Projekt wurde fast an Brian De Palma übergeben, der von Hitchcock besessen war und ihn für ungeeignet hielt. Stattdessen blieben der junge, engagierte Regisseur Martin Scorsese und sein sanftmütiger Star Robert De Niro mit großem Glück dabei. Bei diesem schwierigen Sommershooting, das von schrecklicher Hitze und einem Streik der Müllabfuhr in Manhattan geplagt wurde, wurde nichts weniger als Magie eingefangen.
Travis Bickle, unser verrückter Held, durchquert das widerspenstige Greenwich Village und die unvorhersehbaren Straßen von Hell's Kitchen. Vielleicht ist die Geschichte in seinem Kopf: der Traum eines verstörten Mannes von einer Vanilla-Romanze mit Cybill Shepherd, die ungezügelte Wut politischer Ohnmacht und das zwanghafte Bedürfnis, jedes noch so kleine Unrecht wiedergutzumachen – er.
Weil „Taxi Driver“ so scharf und echt ist, steht es ganz oben auf unserer New-York-Liste. Weil es den einsamen Teufel in uns allen anspricht, steht es ganz oben auf jeder Liste.
Der Broadway schien noch nie so verführerisch und bedrohlich wie in Alexander Mackendricks bitterer Farce über einen giftigen Klatschkolumnisten (Burt Lancaster), seinen seelenlosen Lakaien (Tony Curtis) und die Trümmer, die sie hinterlassen.
Der Times Square wird zu einer monochromatischen Monstrosität voller greller Lichter, trostloser Mittagstheken und unaufhörlichem Lärm; Die luxuriösen Innenräume von 21 und dem Elysian Room verdoppeln sich angenehm für den neunten Kreis von Dantes Inferno.
Park Slope Burns in Fire von Sidney Lumet, basierend auf der wahren Geschichte eines kolossal verpatzten Banküberfalls. Al Pacino (der zum ersten Mal mit Lumet in dem großartigen New Yorker Kriminalfilm „Serpico“ zusammenarbeitete) hat die edelsten Absichten, den Überfall zu inszenieren: die Bezahlung der Geschlechtsumwandlungsoperation seines Freundes. Im folgenden Jahr drehte Lumet einen weiteren New Yorker Klassiker über Größenwahn: Network.
Roman Polanskis realistisches, übernatürliches Drama erschien zu einer Zeit, als Horror vor allem Vincent Price im Umhang des Wahnsinns bedeutete, und war eine Transfusion von dickem, urbanem Blut.
Die revolutionäre Wirkung des Films muss größtenteils der Stadt selbst zugeschrieben werden: Die Dakota ragt bedrohlich empor wie die Villa eines siebenbürgischen Vampirs.
Ein junges Paar, gespielt von Mia Farrow (in einer Montage modischer New Yorker Elfen) und John Cassavetes, zieht dorthin – wir erkennen sie recht gut. Aber in einer weiteren cleveren Subversion des Films verbirgt die stets freundliche, aber neugierige Nachbarin (Ruth Gordon) böswillige Absichten.
Bizarre Geburtshelfer, mysteriöse nächtliche Geräusche und sogar Farrows spontane Fahrt in den Gegenverkehr fügen sich zu einem animierten Albtraum zusammen, der seitdem viele schwarze Schwäne hervorgebracht hat.
Es ist ein Klischee zu sagen, dass Woodsters Drama eine Valentinsgrüße für seine Heimatstadt ist, aber wie sonst könnte man diese großartige Hommage an die Skylines, die Queensboro Bridge und die Stadtbewohner von New York beschreiben?
„Kapitel 1: Er war so hart und romantisch wie die Stadt, die er liebte. Er liebte Manhattan. Er vergötterte alles über alle Maßen.“ Nimm das, Brooklyn!
Spike Lee und Kameramann Ernest Dickerson verwandeln einen Block von Bedford-Stuyvesant in eine Version von Gauguins Tahiti: Jeder Block, jede Bodega und jeder Müll redende B-Boy ist plötzlich Teil einer farbenfrohen, expressionistischen Landschaft, die irgendwie hyperrealistisch wirkt.
Spikes Geschichte von New Yorks brodelndem Rassenschmelztiegel entstand als direkte Reaktion auf den Vorfall in Howard Beach und umfasst Brooklyn in seiner Gesamtheit: die Mischung aus ethnischer Zugehörigkeit und Klasse, die Kultur der Erniedrigung und Gentrifizierung, Stolz und Wut.
All das und Rosie Perez tanzt zu „Fight the Power“ von Public Enemy. Wie viele Filme können diese Tatsache von sich behaupten, Jack?
Jede Liste von New Yorker Filmen muss eines der berühmtesten Bilder der Stadt enthalten, die jemals auf Zelluloid festgehalten wurden: der riesige Stop-Motion-Affe, der sich auf dem Empire State Building auf die Brust schlägt und mit den Doppeldeckern davonrast, die ihn abschießen wollten.
Das tragische Ende von King Kong auf der Spitze des Turms hält sich fast acht Jahrzehnte später bemerkenswert gut, nicht nur wegen der praktischen Spezialeffekte (die eine ganz eigene traumhafte Realität verleihen), sondern auch, weil es bei weitem nicht der einzige Besucher ist Erleben Sie seinen Untergang in der Stadt, die niemals schläft. Es ist natürlich ein Dschungel.
Der Einfluss, den King Kong auf das Empire State Building hatte
Wo sonst als in New York könnte der entscheidende Film des amerikanischen Independent-Kinos gedreht werden? John Cassavetes' bahnbrechender Debütfilm tobt mit neurotischen Beats im MoMA zwischen verrauchten Nachtclubs und den Köpfen ihrer Bewohner und beobachtet, wie sich Stadtbewohner ineinander verlieben (und einander verraten).
In naher Zukunft (1997) wird die Insel Manhattan zu einem Hochsicherheitsgefängnis, in dem Kettenmörder, gerissene Gauner, Femme Fatales und andere Verrückte leben.
John Carpenters düsterer Thriller präsentiert einen denkwürdigen dystopischen Big Apple: Die spektakuläre Eröffnungsaufnahme – ein langsamer Aufstieg über die Gefängnismauer – ist wie eine Willkommenspostkarte in New York!
Aus einem alternativen Universum (ein junger Mann namens James Cameron war einer der Hintergrundmaler). Unser Sport-Antiheld Snake Plissken (Kurt Russell, der Inbegriff spöttischer Männlichkeit) nutzt die Twin Towers als Landeplatz für sein Segelflugzeug – ein ungewollt aufgeladenes Bild. Die New York Public Library und das Grand Central Terminal sind die mit Müll übersäten Hauptquartiere der Bösewichte.
Und alle Brücken sind vermint! Szene für Szene verspottet Carpenter die Sparängste eines von Kriminalität heimgesuchten New York City – was angesichts der Tatsache, dass der Film größtenteils in St. Louis gedreht wurde, lustig ist.
Es gibt kaum eine ausgelassenere Erinnerung an einen Besuch in New York als Gene Kellys und Stanley Donens Adaption des Musicals von Leonard Bernstein, in der ein Trio von Seeleuten (Kelly, Frank Sinatra und Jules Munshin) ihren Urlaub an Land hinter sich lässt und drei verschiedenen Frauen den Hof macht. Sie singen, tanzen, flirten und besuchen sogar das Empire State Building. Dabei geht es um nichts Wichtigeres als den Spaß vor der Rückkehr zur See.
Die schiere, frenetische Freude des Films findet Zeit, dem immer nützlichen Rat des Regisseurs zu folgen: „Die Bronx ist oben, aber die Batterie ist unten.“
Die Verfolgungsjagd, bei der Gene Hackmans Popeye Doyle dem D-Zug durch Bensonhurst folgt, ist aus gutem Grund eine der besten aller Zeiten: William Friedkin fängt den schweißtreibenden Wahnsinn einer rasanten Verfolgungsjagd durch geschäftige, überfüllte Viertel, in denen das nicht der Fall ist, brillant ein gib für irgendjemanden nach.
Es ist der Film, der eine New Yorker Nachtclub-Subkultur in ein Phänomen verwandelte, ein Bee-Gees-Lied nach dem anderen. Aber dieses Disco-Melodram ist eigentlich die Geschichte eines Traums über die Flucht aus den Vororten, wobei Travoltas gut frisierter, weiß gekleideter Idiot aus Bay Ridge für all die talentierten, spießigen Kids aus Brooklyn einspringt, die versuchen, am Leben zu bleiben.
Martin Scorseses „kleine“ Komödie über die Innenstadt nach Einbruch der Dunkelheit bot einige wertvolle Lektionen für Neulinge im New York der 80er Jahre: Halten Sie sich von Soho (oder zumindest den Spring Street Lofts) fern, sobald die Sonne untergeht; Sparen Sie jedes Mal Geld, wenn Sie südlich der 14. Straße ein Taxi nehmen. Und vertrauen Sie niemals Punk-Clubbesuchern oder Eisdielen-Fahrern in der Stadt. Dieses Scorsese-Bild fängt Gothams albtraumhaftes Wunderland fast so eindringlich ein wie „Taxi Driver“.
Manhattan hat in Ivan Reitmans erfolgreicher übernatürlicher Komödie ein Problem mit jenseitigen Parasiten. Sie stehen in den Regalen der New York Public Library, im und um den Central Park und verstecken sich sogar im Hotdog-Wagen eines verängstigten Straßenverkäufers. Sollten Sie fragen, wen Sie anrufen möchten?
Andy Warhols dreieinhalbstündiges Underground-Werk, das im Max's Kansas City konzipiert und vom Chelsea Hotel inspiriert wurde (wo es größtenteils gedreht wurde), war auch ein unwahrscheinlicher kommerzieller Erfolg, eine Bewährungsprobe für den Splitscreen ohne Erzählung Vignetten mit der Menagerie exzentrischer New Yorker Persönlichkeiten des Pop-Künstlers – den kulturellen Vorläufern des histrionischen Reality-TV.
Der große New Yorker Himmel schwebt als Kulisse wie ein unerreichbarer Traum in Elia Kazans mörderischem Korruptionsdrama, das auf Malcolm Johnsons Artikeln für die inzwischen aufgelöste New York Sun basiert.
Die Docks von Hoboken sind so rau, dass sie, wie eine Figur sagt, fast nicht zu Amerika gehören, sondern ihr eigenes, scheinbar unveränderliches Königreich.
Alvy Singer von Woody Allen ist möglicherweise die New Yorkerste Figur im Kino, und zwar so sehr, dass er unter der Achterbahnfahrt von Coney Island aufwuchs. Sein New Yorkertum scheint der Grund für das Ende seiner Beziehung zu sein: Wie Annie ihm sagt: „Du bist wie diese Insel für dich selbst.“
„Gier ist, in Ermangelung eines besseren Wortes, gut“, lautet der klassische Satz (paraphrasiert aus einer Rede von Ivan Boesky), aber der Reichtum von Oliver Stones Moralgeschichte ist in jeder Szene offensichtlich.
Hier gibt es schwindelerregende Büroansichten und die Kneipen (der 21 Club, die Tavern on the Green) der Superreichen. Wer kann es Charlie Sheen verübeln, dass er eine automatische Sushi-Maschine gekauft und verkauft hat?
Echte und fiktive New Yorker Gangs haben sich im Laufe der Jahre ihren Anteil an der Leinwand verdient, aber niemand hat die „Armeen der Nacht“ der Stadt so farbenfroh dargestellt wie Walter Hill.
Auf der Flucht aus der Bronx in ihr Heimatgebiet Coney Island treffen die Warriors auf Kabalen von Hoods, die von Furcht einflößenden (Gramercy Riffs) bis hin zu Camp-Truppen (Baseball Furies) reichen. Es ist Straßenkrieg als Kostümparty, bei der modische Psychopathen herauskommen und plaaa-aaay.
Leiden Sie unter Klaustrophobie oder Panik im Zusammenhang mit der L-Bahn? Dann ist Joseph Sargents Original-Thriller über eine Entführung der U-Bahn 6 genau die Art von Schocktherapie, die Sie brauchen.
Wenn das zu viel für Ihr Nervensystem ist, schwelgen Sie einfach in der fantastischen Besetzung aus Wahnsinnigen und Verrückten, angeführt von Walter Matthau's mürrischem Polizisten und Robert Shaw's höflichem psychopathischem Chef.
Diese romantische Komödie bietet möglicherweise die beste Balance zwischen Nebbishness und Woody Food und verewigt eine Vielzahl von New Yorker Erlebnissen, die es leider nicht mehr gibt: Bobby Short gurrt im Carlyle Club; Punkbands streiten sich um CBGB; Intellektuelle flirten mit alten Wettbewerbsbüchern.
Kann ein Held die bösen Straßen von New York überleben? Im engeren Sinne als Sidney Lumets Krimi-Klassiker, der auf der tragischen, wahren Geschichte des unbestechlichen Polizisten Frank Serpico basiert. Voller aufrichtiger Wut lieferte Al Pacino eine erstklassige Leistung ab, hin- und hergerissen zwischen Wohltäter-Eifer und Einzelgängerangst.
Der Film wurde in allen Bezirken außer Staten Island gedreht und zeichnet ein fast vollständiges Porträt der Stadt in ihrer größten Traurigkeit.
„Man eliminiert einen Jungen, muss aber als Star zurückkommen!“ Gibt es einen Satz, der die Anziehungskraft des Great White Way, von null bis berühmt, besser auf den Punkt bringt?
Dieses herausragende Musical bescherte uns auch den Titelsong („Wo die Unterwelt die Elite treffen kann“) und eine rauschende Hommage an Broadways Boulevard of Broken Dreams, choreografiert von Busby Berkeley.
Ein literarischer Gigolo (George Peppard) und eine erstklassige Prostituierte (Audrey Hepburn) sind ein zügelloses Liebespaar in einer Stadt, in der verlorene Seelen so alltäglich sind wie Cracker Jacks Ringe.
Blake Edwards' Adaption der Kurzgeschichte von Truman Capote (hauptsächlich auf dem Paramount-Gelände gedreht, aber mit wichtigen Drehorten in New York, darunter dem berühmten Juweliergeschäft Fifth Avenue) nutzt seine New Yorker Denkweise, um einer unglaublich deprimierenden Geschichte unwiderstehlichen Charme zu verleihen.
Einem jungen Irisch-Amerikaner (Ray Liotta) werden die Hände von den Italo-Amerikanern in Brooklyn blutig gemacht, die alles von der Fritteuse bis hin zu JFK-Lieferungen leiten.
Martin Scorseses mitreißendes Biopic ist eine herzzerreißende Hommage an diejenigen, die lieber durch Copacabana-Küchen und mit Pistolen gepeitschte Nachbarn schlendern, als das gesetzestreue Leben wie ein Schnabel zu ertragen.
Regisseurin Mary Harron schmeichelte dem berühmten Roman von Bret Easton Ellis, indem sie ihm eine tiefere Vorstellung vom Yuppie-Bösen verlieh (brillant vermittelt von Christian Bale) und die Ränder mit humorvollen Details aus den 80er Jahren füllte: eine schicke Parade von Designer-Tribeca-Restaurants und Neon gefüllt Nachtclubs. Harrons Vision ist eine geschickte Kritik des Kokainkonsums und einer der neuesten sehenswerten New Yorker Filme.
In diesem schwarz-weißen Stück Leben, bei dem Ray Ashley, Morris Engel und Ruth Orkin gemeinsam Regie führten, rennt ein siebenjähriger Junge nach Coney Island davon und ist vielleicht das beste filmische Zeugnis der nebligen Fahrt, das es gibt .
Es gibt wenig Dialog, nur die Anblicke, Geräusche und Gerüche des Sommers. Wenn Sie mehrere französische New-Wave-Filme oder iranische Kinderfilme gesehen haben, loben Sie Ihren Großvater.
Vom Tischtennis in einem Doppelhaus in der West 58th Street über die Proben von Broadway-Shows bis hin zum endlosen Schnitt seines neuesten Films – der mit Dexedrine arbeitende Regisseur Joe Gideon (Roy Scheider) verleiht extremer Erschöpfung ein geradezu elektrisierendes Tempo. Bob Fosses selbstzerstörerischer Schlüsselfilm beweist es: Nur in New York kann Workaholismus als hedonistisch gelten.
Ein Soldat aus dem Zweiten Weltkrieg (Robert Walker) verliebt sich während eines zweitägigen Urlaubs in Judy Garland, ein junges Stadtmädchen.
Er wirbt um sie in kathedralengroßen Nachbildungen berühmter Orte in Gotham, wie der Penn Station, dem Central Park und dem Metropolitan Museum of Art. Unter der Regie von Vincente Minnelli (und einem nicht im Abspann aufgeführten Fred Zinnemann) ist diese faszinierende Liebesgeschichte das Beste aus Hollywoods goldenem Zeitalter.
Bombardiert, erschütternd und herzzerreißend bleibt Spike Lees Drama der große Liebesbrief an das New York nach dem 11. September – voller amerikanischer Flaggen und fehlgeleiteter Wut – aus der Sicht eines Drogendealers (Edward Norton), der kurz davor steht, für sieben Jahre ins Gefängnis zu gehen Jahre.
Er verabschiedet sich von dem chaotischen, verletzten und wunderbaren Chaos der Stadt mit einem letzten Abend im Kreise all seiner Lieben.
Jules Dassins realistisches Krimidrama war nicht das erste, das echte New Yorker Schauplätze als Kulissen nutzte, aber sein Docu-Noir machte sicherlich die Idee populär, dass Ecken wie 57th und Lexington authentischer aussehen als Studiohintergründe. Sie können dieser Geschichte (einer von 8 Millionen, laut dem ersten Voice-Over) auch für jede in New York ausgestrahlte TV-Krimisendung der letzten 40 Jahre danken.
Der Film, der tausende irritierende Nachahmungen hervorbrachte, hat über die Jahre nichts von seiner erstaunlichen Kraft eingebüßt. Harvey Keitel, Robert De Niro, Martin Scorsese, die Ronettes – was will man mehr?
Wie wäre es mit einer Zeitkapsel des alten Little Italy, bevor es zu einer Touristenfalle mit roter Soße wurde, einem Ort intimer Machtverhandlungen und hoffnungsloser Verzweiflung?
Sergio Leones episches Mafia-Drama wurde kürzlich aufgewertet und nähert sich nun der ursprünglichen Laufzeit von 269 Minuten an. Können wir es überhaupt verbessern?
Der auffälligste Abschnitt bleibt die herzzerreißende Darstellung des Lebens in einem jüdischen Mietshaus aus den 1920er Jahren an der LES, mit einer Gruppe von Kindern im Mittelpunkt.
Junge Leute, die hart sein wollen, schlendern durch die von Karren übersäten Straßen, essen Aufschnitt und flirten mit der jugendlichen Jennifer Connelly.
Der Großteil dieser musikalischen Glanzleistung – eine moderne Version von Romeo und Julia – wurde auf einer Tonbühne gefilmt. Dennoch hat es immer noch einen wilden Anklang an „Stadt, die niemals schläft“, was nicht zuletzt durch die atemberaubende Eröffnungssequenz unterstützt wird, in der zwei rivalisierende Banden von der West 68th Street bis zur 110th Street gegeneinander antreten.
John Schlesingers Oscar-prämiertes Drama bietet nicht nur einen Einblick in die Lebensmitte auf ihrem schmutzigen Höhepunkt; Es fängt die Verzweiflung von Strichern und Betrügern ein, die versuchen, in einer Stadt zu überleben, in der jeder mit einem redet und niemand ein Wort hört, das man sagt. Vielleicht möchten Sie auch Dustin Hoffman aus dem Weg gehen – er geht hierher!
Ganz zu schweigen von Michael Fassbenders Blödsinn; Die wahre Nacktheit von Steve McQueens Porträt eines Sexsüchtigen kommt zum Vorschein, wenn die Fassade der Kuppel unserer Stadt entfernt wird.
Es ist sowohl ein Porträt der Zeit nach dem 11. September als auch das eines gebrochenen Mannes, eingebettet in eine Interpretation von „New York, New York“, die persönliches Trauma und öffentliche Angst vermischt.
Meine Damen und Herren, die South Bronx bricht zusammen! Und er springt, er schließt, er markiert und er reimt. Grandmaster Flash, Lee Quinones, Fab Five Freddy, die Rocksteady Crew und Double Trouble (bester Text: „We love to make love to the jolly Females“) spielen in Charlie Ahearns Hip-Hop-Film die Hauptrollen.
Von Harlem über Greenwich Village bis hin zur Innenstadt scheint niemand den Puls der Stadt so gut zu kennen wie Richard Roundtrees Privatdetektiv im Blaxploitation-Klassiker von Gordon Parks.
Er ist ein Mann, dessen Loyalität von Fraktion zu Fraktion schwankt, der aber im Stillen immer nach New York zu gehören scheint.
Jedes Jahr zu Weihnachten kehren die Nachkommen der Aristokratie der Upper East Side im College-Alter für ein paar ritualisierte Wochen mit Debütantenbällen und „After-Partys“ nach Hause zurück, als Teil ihrer ersten halbautobiografischen Werke von Whit Stillman.
Whit Stillmans Komödie über die „städtische obere Mittelschicht“ ist sowohl eine Interpretation von Great Gatsby als auch eine Skalpellsatire auf das Gesetz und ein vielversprechender Anfang. Du wirst sie mit Freunden sehen und dann den Abend damit verbringen, hinter ihrem Rücken über sie zu reden.
Lange bevor er zum Imitator für Komiker auf der ganzen Welt wurde, verwandelte Christopher Walken die Rolle eines Mafia-Boss in eine Meisterleistung.
Beobachten Sie, wie er mit seinen alten Lakaien im Plaza Hotel tanzt oder wie er am Ende des Films in das Taxi steigt, um seinen Schöpfer am Times Square zu treffen; Es ist, als würde man einen Meisterkurs für Filmschauspiel besuchen.
Francis Ford Coppolas Film ist der große Schattenmythos von New York: eine Geschichte der Assimilation von Einwanderern im Gegensatz zum Wunsch, seine dunklen Wurzeln zu ehren.
Seine Vision der Stadt ist fest in realen Orten verankert, von den Stufen des New York State Supreme Court in Manhattan bis zum Calvary Cemetery in Queens.
Enttäuscht von der Muppets-Produktion nach Jim Henson? Revisit Reality: Dies ist eine der besten Bemühungen von Kermit und seinen Freunden, insbesondere für Gothamiter (Standorte sind unter anderem Sardi's, Central Park und das Empire State Building). Die Handlung, fragen Sie? Siehe Titel.
Es ist kaum zu glauben, dass ein Film über zwei Männer, die beim Essen Anekdoten und Ideologien austauschen, so fesselnd sein kann, aber es ist einer der besten Talking-Head-Filme, die je gedreht wurden.
Andre Gregorys New-Age-Geschwätz ist zwar etwas übertrieben, aber sobald Wallace Shawn hin und her redet, beginnt sich die Geduld auszuzahlen. Tatsache ist, dass wir New Yorker jeden Abend solche Gespräche am Esstisch führen.
Sie spielen das Spiel mit Kevin Bacon; Warum schaust du dir den Film nicht an? Donald Sutherland und Stockard Channing sind ideale New Yorker Kunstsnobs in Fred Schepisis hervorragender Adaption des John Guare-Stücks voller perfekter Details: schicke UES-Apartments, ein Besuch im Strand-Buchladen, ein gestohlener Kuss in einem Central Park-Buggy.
Die Öffentlichkeit war schockiert über das Porträt des Fotografen und Provokateurs Larry Clark über sich schlecht benehmende New Yorker Schlittschuhratten (Teenager, die trinken und Sex haben? Wer hätte das gedacht?), obwohl alle, die mit seinen frühen Ausstellungen vertraut waren, wussten, dass Clark ein Händchen dafür hatte, das auf den Punkt zu bringen nihilistische Seite der Jugendkultur.
Der Filmemacher hat in seinen weiteren Werken kaum den Blick auf die Legalität geworfen, aber sein Debütfilm hat es dennoch in sich.
Sidney Lumets gut geölte Inszenierung von Paddy Chayefskys prophetischem Meisterwerk ist eher jeremianisch als satirisch und folgt einem amoralischen Fernsehkonzern, der einen psychisch kranken Nachrichtensprecher ausnutzt, indem er seine schlecht bewertete nationale Nachrichtensendung in Unterhaltungsunterhaltung verwandelt.
Diese immer noch präsente Vivisektion der Verdampfung moderner Kultur knistert vor der nervösen Energie der Gewächshaussender in der Innenstadt.
Eine Fülle pornografischer Vignetten oder ein postmodernes Werk hormoneller, hyperventilierender Kunst? Jack Smiths meisterhafter Film löst immer noch leidenschaftliche Debatten aus und seine Bilder haben immer noch die Kraft zu schockieren und zu begeistern. Es ist unverzichtbar für jeden, der sich für die Geschichte der Zensur, des Untergrundkinos und der Lagerkultur interessiert.
Romantik erblüht auf der Arthur Avenue in der Bronx, als ein Hundepaar – der Metzger Marty (Ernest Borgnine) und die Lehrerin Clara (Betsy Blair) – sich im Stardust-Ballsaal treffen und trotz aller Widrigkeiten die Liebe finden. Paddy Chayefsky, ein Sohn aus dem Bezirk, gewann den Oscar für den besten Film, eine wunderschöne Predigt über das Familienleben.
Die Twin Towers ragen in die Wolken, wie von dem französischen Draufgänger Philippe Petit erfunden, der 1974 illegal zwischen ihnen auf einem Seil tanzte.
James Marshs Dokumentarfilm ist voller lebendiger Bilder von New York und ähnelt einem Raubüberfallfilm aus den 70er-Jahren. Er zeichnet das wirkliche Leben in der Stadt auf und greift auf subtile Weise ein verlorenes, fantasievolles Wahrzeichen zurück. Spannend und tiefgründig erreicht der Film große Höhen.
Akzeptieren Sie keine Remakes. Dies ist der Originalfilm, der unbeabsichtigt das New York der Koch-Ära in seiner ganzen Pracht einfängt. Wir fordern Sie auf, keinen Kloß im Hals zu bekommen, wenn Christopher Reeve am Battery Park und der alten Skyline vorbeigeht. Allein dieses Bild verdient die Platzierung des Films auf einer seriösen New Yorker Liste; der Rest des Films bietet mindestens ein Dutzend mehr.
Bald wird sich die Innenstadt von Madonna in einen gewöhnlichen Wohnort verwandeln. Doch nun ist sie für die Ewigkeit gefangen.
Der mysteriöse Treffpunkt der romantischen Komödie ist Battery Park, aber die süßesten Orte sind der alte Gebrauchtwarenladen Love Saves the Day im East Village (wo Sie die Kampfjacke kaufen) und Danceteria, ein perfekter Ort, um in die Badewanne zu gehen.
Als eines der letzten stillen Meisterwerke konzentriert sich das Melodram von King Vidor trotz seines Titels fast ausschließlich auf das Leben eines Ehepaares. Das Paar lernt sich auf Coney Island kennen, verliebt sich, heiratet, muss sich aber mit dem Leben in einem Wohnhaus und zerplatzten Träumen auseinandersetzen.
Die brodelnde historische Rache überschattet einen außergewöhnlich gut gelegenen New Yorker Psychopharmakafilm, von Michael Douglas‘ heimischer Hochburg auf der Upper West Side bis hin zu Glenn Closes Loft im Meatpacking District, einem perfekten Ort für eine illegale Affäre mit einem verrückten scharfen Gericht. Auf subtile Weise wird die verletzende Natur von Fünf-Wege-Dates verändert.
Um ehrlich zu sein, ist die Stadt, in der es stattfindet, nicht angegeben, aber wir können nicht anders, als Jim Jarmuschs Hip-Hop-Fantasie einzubeziehen, die zu den geschmeidigen Rhythmen von RZA des Wu-Tang Clans aufgenommen wurde.
Forest Whitaker streift spätnachts in einem gestohlenen Auto durch die Straßen, motiviert von einem feierlichen Ehrenkodex und zu Gewalttaten fähig.
Nach einer lockeren Begegnung bei Shakespeare & Co, einem Orgasmus-Gespräch bei Katz's Deli und langen Spaziergängen im Central Park erkennt ein in Jersey geborener Jude (Billy Crystal), dass die Shiksa (Meg Ryan), die er seit seiner Kindheit an der Universität hasst, tatsächlich ihm gehört Seelenverwandter. Regisseur Rob Reiner und Drehbuchautorin Nora Ephron fangen die Romantik Manhattans mit herrlicher Angst ein.
Alan Parkers elektrisierende Geschichte über Schüler der High School für darstellende Künste, die versuchen, einen Hit zu landen, nutzt Veranstaltungsorte in ganz Gotham, vom belebten Times Square bis zur Mitternachtsvorstellung der Rocky Horror Picture Show im inzwischen aufgelösten 8th Street Playhouse.
Robert Bentons Geschichte eines brutalen Sorgerechtsstreits spielt in einer bestimmten, privilegierten Ära auf der Upper East Side, dem Ort, an dem aufstrebende Berufstätige sein wollten.
Es wird Manhattans Antwort auf die idyllischen Vororte anderer Filme, unter deren Oberfläche allerlei Probleme lauern.
Ist es möglich, dass ein erstklassiges Callgirl, das im Westen der 1940er Jahre lebt, ein Symbol für den Feminismus der zweiten Welle auf seinem Höhepunkt ist? Auf jeden Fall, wenn diese Frau in Alan J. Pakulas Thriller von Jane Fonda gespielt wird.
Obwohl ihr Ficken einen Oscar hätte einbringen können, nahm Fonda die Statue (ihre erste) für ihre unauslöschliche, flüchtige Mischung aus undurchdringlicher Härte und nahezu pathologischer Verletzlichkeit entgegen – der ultimative New Yorker.
Kenneth Lonergans Meisterwerk, das von persönlichen und zivilen Traumata heimgesucht wird, stellt besser als jeder andere Film den Fluss von 8 Millionen einzelnen Geschichten dar, die sich gleichzeitig entfalten.
Es zeigt auch, wie eine lebensverändernde und lebensverändernde Erfahrung für einen Teenager (die faszinierende Anna Paquin) ein weiterer Lichtblick im Kaleidoskop der Stadt sein kann.
Noah Baumbachs halbautobiografische Dramaturgie spielt in einer intellektuellen Gemeinschaft im Brooklyn der 1980er Jahre, die seitdem das halbe Viertel verschlungen hat. Aufgrund seines kathartischen Bildes (siehe Titel) greift der Film eine Kindheitserinnerung auf, die wahrscheinlich jeder eindrucksvolle Museograf eines bestimmten Alters teilt.
Romantische Unzufriedenheit und die ganz Gotham-typische Gewissheit, dass es da draußen immer jemanden gibt, der besser ist, prägen Mike Nichols‘ vernichtendes Porträt ehemaliger College-Mitbewohner (Art Garfunkel und Jack Nicholson). Sie navigieren durch 25 Jahre wechselnder sexueller Sitten in der Stadt, finden aber nie, wonach sie suchen.
Der Ruf dieses Films ist seit seiner Veröffentlichung sprunghaft angestiegen. Dustin Hoffman spielt einen vom Pech verfolgten New Yorker Schauspieler, der eine Rolle in einer Seifenoper ergattert, indem er vorgibt, eine Frau aus dem Mittleren Westen zu sein.
Zu den örtlichen Sehenswürdigkeiten zählen das National Video Center (heute Sitz von Luxusapartments und dem Signature Theatre) und der Russian Tea Room (wo Hoffman seinem Agenten seinen Plan offenbart); sogar Andy Warhol tritt auf.
Raoul Walshs stumme Geschichte über einen armen Jungen, der zu einem hochrangigen Kriminellen wird, war nicht nur die Geburtsstunde des Gangsterfilms, sondern es ist auch einer der wenigen Filme, die echte New Yorker Schauplätze (insbesondere die Gebäude der Bowery) verwenden Authentizität seines Gleichnisses von Höhen und Tiefen. Dies ist der erste echte New Yorker Film.
Lionel Rogosin, der vor allem für seine im afrikanischen Dschungel gedrehten Dokumentarfilme bekannt ist, beschloss, seine ehrlichen Kameras an einer Betonkamera zu fotografieren: dem alten New Yorker Skid-Row-Viertel.
Das Ergebnis ist eine hybride Dokumentargeschichte, die einen kompromisslosen Blick auf ein städtisches Niemandsland mit einigen seiner am stärksten benachteiligten Bewohner wirft (von denen einer nur wenige Wochen nach der Premiere starb).
(Hier beginnt sein brillanter „Pusherman“.) Wir werden Ron O’Neal immer lieben und um ihn trauern, der den Code des Strichers auf den Punkt bringt: „Ich gehöre nicht zu dir, Schwein, und kein Wichser sagt mir, wann ich brechen kann.“ ."
Die Stummfilm-Ikone Harold Lloyd spielt Gothams Macher Harold „Speedy“ Swift, der darum kämpft, den letzten Waggon der Stadt vor den Fusion Men zu retten. Lloyd's Laffer bietet auch spannende Touren durch das alte New York, insbesondere wenn der Multiphenat Babe Ruth in einem hochoktanigen Taxi zum Yankee Stadium in der Bronx bringt.
Keine Sorge, auf dieser Liste finden Sie noch viele andere Woodys. Diese Komödie mit Mia Farrow, die sich in eine italienische Mafia-Witwe verwandelt, verdient es, von der Nebenrolle in die Hauptrolle befördert zu werden.
Die schwarz-weiße Lerche ist für Kaffeeklatschen im berühmten Carnegie Deli reserviert und landet auch auf der Thanksgiving-Parade von Macy's (Underdog-Wagen!).
„Von Kopf bis Fuß, wissen Sie?“ Drag Queens aus Harlem und der Bronx bilden schwule Straßengangs (und Ersatzfamilien) auf dem Ballzirkus, wo übergroße Persönlichkeiten wie Venus Xtravaganza auf der Grundlage der „Realität“ ihrer schlichten Modepracht gegeneinander antreten.
Jennie Livingstons unverzichtbarer Dokumentarfilm über die Neuerfindung des Genres lobt auf brillante Weise die Widerstandsfähigkeit der Ausgestoßenen der Stadt.
Dieser brutale New-York-Klassiker (dessen Hauptdarsteller Charles Bronson Schwierigkeiten hatte, sich zu verteidigen) kristallisierte in den Köpfen von Millionen Menschen das gefährliche Manhattan der Beame-Ära heraus.
Die zentrale Szene spielt in einem Grunge-U-Bahn-Wagen, in dem ein wütender Upper West Sider mit einem vernickelten Kaliber .32 Rache an zwei unglücklichen Räubern nimmt. Das Leben ahmt die Kunst nach.
Die Atmosphäre des Soho der frühen 80er Jahre, wo das Geld in die Boheme eindringt, wird unbeabsichtigt in dieser handlungslosen Geschichte eines armen, aber mutigen jungen Künstlers bewahrt, der auf der Suche nach Liebe, Inspiration und seiner großen Chance durch die Straßen Manhattans (und den berühmten Mudd Club) streift.
Es sieht aus wie jeder andere Independent-Film, nur dass der Held des Films von Jean-Michel Basquiat gespielt wird, dem Warhol-Schüler, der 1988 an einer Überdosis starb.
Nina Sayers (Natalie Portman), eine technisch brillante, aber emotional fragile New Yorker Tänzerin, wird zur Hauptballerina von Schwanensee, doch unterdrückte Leidenschaften sabotieren ihren Verstand – bis sie zur Quelle der Inspiration wird.
Darren Aronofsky verwandelt den noblen Campus des Lincoln Centers in ein Grand Guignol voller Macht, Lust und Ehrgeiz, alles im Namen künstlerischer Perfektion.
Ein verwöhnter WASP (Beau Bridges) aus Manhattan kauft eine Wohnung in Brooklyn und lernt von seinen überwiegend schwarzen Mietern einige schwierige (aber urkomische) Lektionen fürs Leben.
Regisseur Hal Ashby, der sein Spielfilmdebüt gibt, fängt das Viertel Park Slope eindringlich ein, lange bevor es zum Mittelpunkt des Spaziergängerlebens wurde.
Der Junkie-Beamte Harvey Keitel nimmt Schläger wegen gestohlenen Geldes fest, belästigt junge Fahrer sexuell und kann nicht verstehen, warum diese vergewaltigte Nonne ihren Angreifern vergibt.
Abel Ferraras aufrührerischer Blick auf die katholische Schuld eines korrupten Polizisten ist ein wahrer Schwätzer, der New Yorks Appetit auf kathartisches Kino und Times-Square-Schamlosigkeit verdeutlicht.
Darren Aronofsky adaptierte kurzerhand Hubert Selby Jr.s Geschichte über die Drogenabhängigkeit und fand in seinen Räumlichkeiten in Brooklyn eine zwielichtige Poesie: Selten schien Brighton Beach so sonnig, Coney Island so heruntergekommen und der Atlantische Ozean – ein attraktives Nirvana – ebenfalls unerreichbar .
Das Jazz-Zeitalter erwacht in Alan Rudolphs Ensembledrama über den bissigen Geist von Dorothy Parker zum Leben.
Zu den vielen Triumphen dieses liebevoll detaillierten historischen Stücks gehören die Sequenzen, die im Algonquin Hotel spielen, wo Gabsters am berühmtesten Tisch seit König Artus und seinen Rittern plaudern.
Die unabhängige Filmemacherin Shirley Clarke („The Connection“) hat die Geschichte eines schwierigen Jungen, der in den Reihen einer örtlichen Bande aufsteigen will, in eine realistische Sicht auf das Viertel selbst verwandelt.
Nur wenige Filme haben das Viertel (ca. Mitte der 1960er Jahre) mit einem so scharfen journalistischen Blick eingefangen.
Klassen- und Temperamentsunterschiede werden in James Grays New Yorker Drama deutlich beobachtet, in dem der krisengeschüttelte Joaquin Phoenix (nie besser) als selbstmörderischer Junggeselle aus Brighton Beach mit besorgten Eltern lebt. Mit der Ankunft einer attraktiven Nachbarin mit luxuriösem Geschmack (Gwyneth Paltrow) beginnt der Film mit noblen Drehorten in der Innenstadt – und einer vorsichtigen Shiska-Romanze.
Nachdem die Schwulengemeinschaft protestiert hatte, dient William Friedkins Thriller als unbeabsichtigte Momentaufnahme eines kleinen Ausschnitts der Dorfszene vor AIDS, mit Sequenzen, die im legendären Hellfire-Lederclub gedreht wurden.
Al Pacino dient dem Publikum als rätselhaftes Fenster in die S&M-Kultur und spielt einen verdeckten Ermittler, der von allem, was er sieht, abgestoßen (oder angezogen) werden kann.
Josh und Benny Safdie, New Yorks zuverlässigstes Filmemacherduo (auch im Film Heaven Knows What aus dem Jahr 2014 zu sehen), legten mit diesem Instant-Krimi-Klassiker noch einen drauf und zeigen einen völlig verwandelten Robert Pattinson in einen Schnop aus den Vororten, der versucht, seinen Bruder rauszuholen von Rikers.
Eine Entscheidung nach der anderen wählt sein Pacino-ähnlicher Charakter die schlechtestmögliche Strategie und Sie sehen sich seiner halbintelligenten Verzweiflung gegenüber.
Joseph L. Mankiewicz‘ unvergleichliches Backstage-Broadway-Drama nutzt die Lichter des Theaterviertels, um eine darwinistische Welt voller Konkurrenz, Unsicherheit und Hinterlist zu erhellen, in der der Fan, der in der Gasse auf den Star wartet, sie genauso leidenschaftlich verschlingt und seinen Platz einnimmt die Führung. Es hat sich wenig geändert.
Ein 12-jähriger Junge wünscht sich etwas und wacht als 30-jähriger Tom Hanks auf (obwohl er immer noch den Verstand eines Kindes hat). Er macht sich auf den Weg in die Großstadt, wo er eine Grand-Street-Wohnung in einen Teenager-Zufluchtsort verwandelt (Trampolin!) und – das Beste von allem – bei FAO Schwarz „Heart and Soul“ auf einem fußbetätigten Keyboard spielt.
New York City wird in Brian De Palmas lustigem Thriller-Kühlschrank zum erotischen Spielplatz einer gelangweilten Hausfrau.
Die entzückende Angie Dickinson wandert durch das Metropolitan Museum auf der Suche nach einem Fremden, der mit ihr flirtet (es folgt ein Anruf in einem Taxi).
Später teilt Nancy Allen, eine neugierige Prostituierte, ein allzu aufschlussreiches Mittagessen mit dem Übernerd Keith Gordon im Restaurant „Windows on the World“ des WTC.
Greta Gerwig (die gemeinsam mit Regisseur Noah Baumbach das Drehbuch geschrieben hat), eine junge Ivy-League-Absolventin, träumt davon, Tänzerin zu werden, obwohl sie in mehr als einer Hinsicht zwei linke Füße hat.
Wie viele von Baumbachs Charakteren steckt sie in der Vergangenheit fest und ist in ihrer Entwicklung ein wenig stehengeblieben – allerdings auf charmante Weise. Der Film ist zu einer Art Generationenprägung geworden, ähnlich wie Annie Hall.
Der ikonische Innenhof von Greenwich Village, auf den ein sich erholender Jimmy Stewart blickt und etwas entdeckt, das er nicht sehen sollte, bringt die subjektive Blindheit perfekt auf den Punkt, die es den New Yorkern ermöglicht, an solchen nahe gelegenen Orten ein paralleles Leben zu führen. Hitchcocks Thriller fängt auch ein, was nötig ist, um diese imaginären Grenzen zu durchbrechen.
Der Armuts-Chic der Lower East Side der frühen 80er Jahre wird heute romantisiert, aber Susan Seidelmans Drama entführt seine Heldin aus der Kunstwelt in ein LES voller egozentrischer Dilettanten, widerwärtiger Opportunisten und perverser Raubtiere. Es ist eine Momentaufnahme einer Ära, die ihm als Grabinschrift dient, einer Ära, die Hipster-Nostalgie weckt.
Diese sexy Vampirgeschichte spielt größtenteils in einem lächerlichen Reich aus geräumigen Stadthäusern voller Rauch und Särgen. Aber wir nehmen es nur wegen seiner Eröffnungsszene auf: Die Blutsauger David Bowie und Catherine Deneuve durchstreifen einen verschwitzten Nachtclub in der Innenstadt nach jungen, hübschen Kerlen, während das Bauhaus seinen Klassiker „Bela Lugosi ist tot“ jagt. Es ist eine gotische New Yorker Stadt, an die man sich mit Tränen erinnert.
Die Bronx repräsentiert in Spike Lees düsterer Nachbildung der Panik des Serienmörders David Berkowitz im Jahr 1977, die in einer Stadt herrschte, die von Stromausfällen, rassistischen Spannungen und drückender, unausweichlicher Hitze geplagt wurde.
Lee brachte die jungen Leute seiner Heimatstadt auf den Geschmack von Pizzerien, Friseurläden und Punkclubs (einschließlich des inzwischen aufgelösten CBGB).
Die laszive Inszenierung von Dino De Laurentiis verleiht der tierischen Anziehungskraft des Originals von 1933 perverse Sensibilität (der übergroße Primat fingert buchstäblich eine sichtlich erregte Jessica Lange).
Und mit einem Doppelphallus wie dem im World Trade Center als Abschlusskulisse gibt es keine bessere Stadt für einen Menschenaffen als Swinger.
Joan Micklin Silvers Hommage an das jüdische Diasporaleben in den 1890er Jahren gibt einem das Gefühl, durch ein Zeitportal getreten zu sein.
Seine Schwarz-Weiß-Nachbildungen der Alleen, auf denen eine isolierte Gemeinde versuchte, sich in ihre neue Heimat zu integrieren, überbrücken die Lücke zwischen der Geschichte New Yorks und seiner Gegenwart – ein Einwandererlied direkt aus dem Herzen unserer Stadt.
Josh und Cornelia (Ben Stiller und Naomi Watts, beide großartig) sind General
Es sind geschlechtslose Nächte auf dem iPad, bis die unerwartete Zuneigung eines viel jüngeren Paares aus Bushwick ihr Leben belebt. Eines Tages wird Noah Baumbachs Komödie als Klassiker gelten, denn Adam Driver ist das einzige definitive Porträt eines Millennials.
Whit Stillmans Darstellung des sterbenden Nachtlebens Manhattans spielt in den „sehr frühen 1980er Jahren“ und erinnert an die verkokten Tanzlokale – darunter einen Club ähnlich dem Studio 54 – und die Verzweiflung, die die Party angeblich für immer hielt.
Ein weiterer alter CNY-Schachzug: Unsere jungen Heldinnen Chloë Sevigny und Kate Beckinsale sind angehende Redakteure bei einem Verlag. Heute wären sie Blogger.
Dieser CIA-Thriller wurde auf dem Höhepunkt der politischen Paranoia Hollywoods gedreht und fängt ein angespanntes, von Spionen heimgesuchtes New York ein, das in „Das Bourne Ultimatum“ wieder auftaucht. Zu den ausgewählten lokalen Details gehören Robert Redfords Geheimbüro in der 77. Straße in Madison, ein ruhiger Zufluchtsort in Brooklyn Heights (bewohnt von der sinnlichen Faye Dunaway) und ein WTC-Fenster mit Blick auf das Grundstück.
Michael Almereyda bringt William Shakespeares Tragödie in die Welt der Hochfinanz, als Ethan Hawkes grüblerischer Prinz mit seinem listigen Schwiegervater, dem CEO, aneinander gerät.
Die moderne Einrichtung, die von schmutzigen Straßen über antiseptische Sitzungssäle bis hin zur zylindrischen Mausefalle des Guggenheim reicht, verleiht dem großartigsten aller Räume eine thematische Dimension.
Der unabhängige Filmemacher Ramin Bahrani erzählt die eloquente und einfühlsame Geschichte eines Einkaufswagenverkäufers im Supermarkt so gut, dass er für Passanten praktisch unsichtbar ist.
Bahrani erforscht die Vergangenheit des fiktiven Mannes als pakistanischer Rockstar und seine einsame, bescheidene Gegenwart in einem New York, das sowohl schön als auch kalt und gleichgültig gegenüber seinem Kampf gegen Sisyphos ist.
Man kann sagen, dass Spidey von allen Superhelden derjenige ist, der sich am meisten mit New York identifiziert. Das sind seine Schluchten, die es zu durchqueren gilt. (Als Sam Raimi kurz nach dem 11. September 2002 seinen Spider-Man herausbrachte, brachten Szenen des Bürgerstolzes viele New Yorker Zuschauer zu Tränen.)
Voller Brooklyn-Attitüde ist diese neuere animierte Version ein würdiger Oscar-Gewinner, gewagt und unterhaltsam gestaltet.
Stanley Kubricks polarisierender Abgesang spielt in einem Manhattan des Geistes, konkret im sexuell frustrierten Hirnstamm von Tom Cruises High-Society-Arzt.
Besonders bizarr und verstörend ist Greenwich Village, das imaginäre Dorf des Films, das von spöttischen Burschenschaften, einer Prostituierten, die Crack verkauft, und einem Teenager, der wie Lola aussieht, bevölkert wird.
Larry Cohens Science-Fiction-Film über einen Detektiv, der gegen Mörder ermittelt, die behaupten, Gottes Willen auszuführen, ist die surreale B-Seite von „Taxi Driver“: eine alptraumhafte Vision der aufgestauten Wut der Stadt, die mit der Ankunft von Andy Kaufman beginnt, der das Taxi tötet Die Parade zum St. Patrick's Day endet damit, dass unser Held zu dem wird, was er verhindern wollte.
Bevor er Martin Scorsese traf, drehte der wenig bekannte Robert De Niro ein paar verrückte und subversive kleine Filme mit dem ebenso obskuren Regisseur Brian De Palma. Diese schwarze No-Budget-Komödie fängt die Ära des New Yorker Pornokinos detailliert ein. Sie hat auch Aufnahmen im Experimentaltheater in der Innenstadt: Die „Be Black, Baby“-Sequenz ist allein den Eintrittspreis wert.
Das New York City von 1991, rauer und winterlicher und dennoch ein Ort, an dem alte Buchhandlungen und in Mäntel gekleidete Träumer willkommen geheißen werden, wird in dieser realen Geschichte eines literarischen Missgeschicks zum Leben erweckt.
Keine Szene, die in Julius' gemütlicher Bar gedreht wurde, wo der Whisky in Strömen fließt, kann diese unruhige Stimmung erschüttern. Die Atmosphäre wird mit meisterhafter Präzision bewegt.
Bei ihren Konzerten im Madison Square Garden im Oktober 2004 verteilten die legendären Beastie Boys 50 Minikameras unter der großen Menschenmenge und lieferten damit ein dynamisches und unbestreitbar schlampiges Zeugnis der Zusammenarbeit zwischen Fans und Idolen. Das war Crowdsourcing seiner Zeit weit voraus. Wir trauern um dich, Adam Yauch.
Dieser Z-Horrorfilm, der kürzlich in Jordan Peeles Film „Us“ bestätigt wurde, drückt eine Urangst vor New York aus, die jeder hegt, der jemals in ein Abwasserrohr geschaut hat: Wer (oder was) lebt unten?
Nicht die Obdachlosen, nicht die Alligatoren, sondern die humanoiden kannibalischen Bewohner des Untergrunds. Wie das Plakat einer schimmernden Skyline von Manhattan warnte: „Sie bleiben nicht mehr unten!“
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