Ihr Warenkorb ist leer
Ein Pin-up ist eine Frau, deren körperliche Attraktivität Menschen dazu verleiten würde, ein Foto von ihr an die Wand zu hängen . Der Begriff wurde erstmals 1941 auf Englisch erwähnt, die Praxis ist jedoch mindestens seit den 1890er Jahren dokumentiert.
Bilder von „ Pin-ups “ könnten aus Zeitschriften oder Zeitungen ausgeschnitten oder von Postkarten oder Chromolithographien usw. übernommen werden. Diese Fotos erscheinen oft in Kalendern, die ohnehin zum Anheften gedacht sind. Später wurden Plakate mit „ Pin-up-Girls “ in Massenproduktion hergestellt.
Viele „ Pin-Ups “ waren Fotos von Prominenten, die als Sexsymbole galten. Eines der beliebtesten frühen Pin-Ups war Betty Grable . Sein Plakat war während des Zweiten Weltkriegs in GI-Schließfächern allgegenwärtig.
Andere Pin-ups waren Kunstwerke und zeigten oft idealisierte Versionen dessen, wie manche dachten, dass eine besonders schöne oder attraktive Frau aussehen sollte. Ein frühes Beispiel des letztgenannten Typs ist das Gibson Girl, gezeichnet von Charles Dana Gibson .
Das Genre hat auch mehrere bekannte Künstler hervorgebracht, die sich auf dieses Gebiet spezialisiert haben, darunter Alberto Vargas und George Petty , sowie viele weniger bekannte Künstler wie Art Frahm .
Heutzutage gelten Männer auch als „ Pin-Ups “ und es gibt männliche Äquivalente zu attraktiven und sexy Schauspielern wie Brad Pitt oder vielen männlichen Models. Der äquivalente Begriff für „ Cheesecake “ ist „ Beefcake “.
Der prähistorische Mensch hatte offensichtlich eine gewisse Ehrfurcht vor der weiblichen Form, wie aus den paläolithischen Skulpturen wohlhabender Frauen hervorgeht. Anthropologen sind sich nicht sicher, ob es sich dabei um Fruchtbarkeitssymbole oder erotische Talismane handelt, die von Pferdejägern überliefert wurden. Diese Venusfiguren dienten auf die eine oder andere Weise einem Bedürfnis oder dem Gemeinwohl, auch wenn sie nicht unserer strengen Definition von Pin-up entsprechen …
Die alten Griechen schämten sich nicht für moderne Standards hinsichtlich der Akzeptanz der nackten Figur. Die ersten Olympischen Spiele wurden von nackten Sportlern bestritten. Männliche Sportler. Dennoch gibt es viele Beispiele hellenischer Göttinnen, alle in modischen Negligés.
Die griechischen Götter neigten in vielen fleischlichen Geschichten auch dazu, mit Normalsterblichen zu interagieren. Die Darstellung dieser Art von Begegnung erfordert ein gewisses Maß an Beteiligung, Verständnis und Einbeziehung der Öffentlichkeit.
In Pompeji und in der gesamten römischen Welt war erotische Kunst fester Bestandteil des täglichen Lebens. Offensichtliche sexuelle Darstellungen wurden auf öffentlichen Märkten, in Wandgemälden und Skulpturen gefunden.
Als das Christentum im 4. Jahrhundert unter Kaiser Konstantin zur offiziellen Staatsreligion wurde, wurden unmoralische „ heidnische “ Bilder verbannt und in den Untergrund verbannt. Sofern Sie also keinen Fetisch für Maria Magdalena hatten, hatte das dunkle Zeitalter begonnen. Abgesehen von religiösen Gegenständen und dekorativer Kunst gab es im Mittelalter kaum Darstellungen der sakrilegischen Freuden des Fleisches.
Wenn eine Kaufmannsklasse Künstler und nicht nur die Kirche unterstützen könnte, könnte eine neue Definition weiblicher Schönheit in Auftrag gegeben werden. Die Mythen und historischen Figuren des antiken Roms lieferten reichhaltiges Material für städtische Gebäude und private Villen, die es in den Stadtstaaten Italiens zu schmücken galt.
Leda und der Schwan, die Geburt der Venus und andere Fabeln boten bequeme Ausreden für die Darstellung sympathischer Akte. Alle Facetten der Wissenschaft und des säkularen Humanismus kamen zum Tragen, um das große Gesamtwerk der Renaissance zu schaffen.
Diese klassischen Werte wurden von Da Vinci (1452-1519), Michelangelo (1475-1564), Tizian (1485-1576) und anderen weitergegeben.
In Europa gab es im 18. Jahrhundert Bewegungen, die den Exzessen des Barock und des Rokoko entfliehen und zur klassischen Einfachheit zurückkehren wollten. Der Neoklassizismus wurde in Europa als Ableger der akademischen Kunst formalisiert, und wieder einmal wurden beliebte Persönlichkeiten der Vergangenheit größtenteils durch Aktmodelle dargestellt, wie zum Beispiel Paul Thurmans „ Psyche “.
Orientalisten konnten ohne Vorwurf nackte allegorische Figuren in üppigen exotischen Umgebungen zur Schau stellen. Die Odaliske oder Haremskonkubine war ein beliebtes Motiv. Ebenfalls im 19. Jahrhundert wurde der Klassizismus durch die englische Bewegung der Präraffaeliten auf die Spitze getrieben.
Obwohl ihr striktes Festhalten an den Stilen der Renaissance nicht lange anhielt, hatten ihre Werke großen Einfluss auf das goldene Zeitalter der Illustration.
Zu den frühen amerikanischen Einflüssen in der Zeitschriften- und Druckillustration gehörten Howard Pyle (1853–1911), seine Brandywine School und Schüler wie NC Wyeth (1882–1945), Harvey Dunn (1884–1952), Frank Schoonover (1877–1972) und Maxfield Parrish (1870-1966). Dean Cornwell (1892–1960), John La Gatta (1894–1976) und Andrew Loomis (1892–1959) spielten ebenfalls eine wichtige Rolle in der Illustration von Zeitschriften und Werbeanzeigen. Zur Kunst und den Stilen dieser Zeit trugen auch die Kunst- und Handwerksbewegungen sowie die dekorativen Jugendstilbewegungen in Europa bei .
Was nützt ein Kunstwerk, wenn es nur wenige Privilegierte sehen können?
Im Mittelalter gab es illuminierte Manuskripte, die nur wohlhabenden Kunden zugänglich waren. Selbst die Entwicklung des Buchdrucks demokratisierte die Illustration nicht, da die Herstellung von Grafiken nur in geringem Umfang und aufwändig war. Die Schnittstelle zwischen Wirtschaft und Technologie hat in den letzten zwei Jahrhunderten die Verbreitungsmöglichkeiten verbessert.
Die Lithographie wurde Ende des 18. Jahrhunderts erfunden. Die Geburt der Fotografie brachte bald darauf neue Drucktechniken mit sich und die Einführung des Offsetverfahrens im frühen 20. Jahrhundert ermöglichte größere, schnellere und qualitativ bessere Druckaufträge. Als gedruckte Materialien einem breiten Publikum zugänglich gemacht wurden, soll das goldene Zeitalter der Illustration begonnen haben.
Das Gilded Age wird praktischerweise zwischen 1880 und 1920 angesiedelt, obwohl einige Argumente es vom Ende des Bürgerkriegs bis zum Zweiten Weltkrieg datieren lassen.
Die Entwicklung des wirtschaftlichen Hochgeschwindigkeitsdrucks und die zunehmende Alphabetisierung ermöglichten es, ein beträchtliches Publikum für die einzigen damals verfügbaren Massenkommunikationsformen aufzubauen: Bücher, Zeitungen und Zeitschriften.
Verleger und später auch Werbeagenturen konkurrierten um die Dienste dieser Künstler wie Norman Rockwell (1894-1978), die oft in sehr kurzer Zeit einprägsame Bilder für den Massenkonsum erstellen konnten.
Nach dem Krieg wurde das realistische Ende des Spektrums Fotografien unterschiedlicher Qualität überlassen. Bei einer solchen Flut an Zeitschriften, die es zu füllen gilt, mangelt es an qualifizierten Fotografen und attraktiven Models. Die Kunstwelt wurde von den abstrakten Impressionisten überholt, ein Stil, der nicht mit dem Pin-up-Genre vereinbar ist!
Wenn wir sagen können, dass Kunst der Spiegel der Gesellschaft ist, nimmt das Pin-up in der modernen Kunst, insbesondere in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, einen besonderen Ehrenplatz ein.
Zuvor Duchamp und die Dadisten das Konzept dessen, was Kunst ausmacht. Ein Gemälde einer Pfeife, ein „ Brunnen “ aus einem Urinal und andere Werke stellten die Rolle eines Künstlers in Bezug auf die Welt um ihn herum in Frage.
Provokative Bilder, insbesondere in der Werbung, standen auf der Schnittstelle zwischen Sex und Kommerz. Mit dem steigenden Verbrauch, insbesondere nach dem Zweiten Weltkrieg, war die Ikone der Trägerrakete besonders reif für die Lampotage.
Die Revolution der Populären Kunst (für die Populäre) hatte begonnen . Indem man sich von atavistischen Figuren wie Marilyn Monroe oder einem anonymen Sexsymbol inspirieren lässt, wird die Realität verarbeitet und verpackt
Sehen Sie sich die 15 schönsten Kleider von Marilyn an
Da die Werke dieser Künstler in Museen, Galerien und Bildbänden ausgestellt werden, bestehen sie nicht unbedingt den Test, als massenproduziertes Pin-up bezeichnet zu werden. Doch ihre bloße Existenz beweist, wie langlebig das Pin-up-Modell ist.
Darüber hinaus bekräftigen mehrere zeitgenössische Künstler wie Nagel, Kacere und Koons, was es heißt, die Kontrolle über die eigenen Medien zu übernehmen und einen fotorealistischen oder malerischen Ansatz zu verwenden.
Sehen Sie sich alle Gemälde von Marilyn an!
Gibson Girl zurückführen , das 1887 sein Debüt feierte, und auf die Jugendstilplakate von Alphonso Mucha und Jules Cheret in Europa. Der Prototyp der Pin-up-Postkarte des 19. Jahrhunderts, Raphael Kirchner , war an der Entstehung des „ hübschen Mädchens “-Formats beteiligt.
Mainstream-Populärkunst wie Paul Thumanns Psyche im Spiegel der Natur “ , das erstmals in der Dezemberausgabe 1893 von Munsey , wurde ebenfalls für die Öffentlichkeit akzeptabel.
White Rock Drinks machten es dann zu ihrem Markenzeichen und 1947 besuchte die bescheidene Seele Partys oben ohne! Gibson Girl folgten zwei Glamour-Ikonen , die von Howard Chandler Christy und Harrison Fisher.
Um die Jahrhundertwende war der Kalender die häufigste Form des Pin-up-Materials, insbesondere die frühen „ Glamour-Girl “-Formate von Angelo Asti. Im Jahr 1913 wurde Paul Chabas‘ umstrittener Akt „ September Morn “ von der New York Society for the Suppression of Vice zensiert.
Doch später wurde das Bild auf Hunderttausenden von Kalendern sowie auf Süßigkeitenschachteln, Postkarten und Ähnlichem abgedruckt. Die Art-Deco-Zeit machte auch jede Kunst mit romantischer Nacktheit respektabel, wie etwa die von Mabel Rollins Harris, Maxfield Parrish und Hy Hintermeister.
In den 1920er Jahren stand das goldene Zeitalter der Illustration in voller Blüte. Die neue Filmindustrie weckte den Appetit der Öffentlichkeit auf Zeitschriften, die ihren Zelluloid-Helden gewidmet waren. Im 19. Jahrhundert galt der bloße Blick auf den nackten Knöchel einer Frau als Skandal.
Vergleichen Sie das mit den offen sexuellen Mädchen der Goldenen Zwanziger von Enoch Bolles , George Quintana und Earle K. Bergey , eine Generation später! Ebenso konkurrierten Unternehmen und Werbeagenturen um die Dienste talentierter Künstler, um Identitäten zu schaffen, auf die das Publikum reagieren würde.
Eine der großen Ikonen der amerikanischen Werbung der Vorkriegszeit war der Mann im Pfeil-T-Shirt, brillant dargestellt von JC Leyendecker . Obwohl Leyendecker vor allem für seine Darstellungen von Männern bekannt ist, hatte er großen Einfluss auf beliebte Illustratoren wie Norman Rockwell und viele andere, die ihm folgten.
Während die Populärkultur ihre voyeuristischen Fantasien verschlang, die in Boulevardzeitschriften und später in Taschenbüchern verboten waren, hatte ein anderer Trend begonnen, das Pin-up als ernsthafte Kunstform zu legitimieren: Luxuszeitschriften wie Esquire (ein wichtiger Vorgänger des Playboy), Cosmopolitan und The Saturday Evening Post und andere boten höhere Preise für Augenbrauen an.
Art-Déco-Darstellungen der weiblichen Gestalt galten als geschmackvoll genug, um in diese Zeitschriften aufgenommen zu werden. Alberto Vargas ist ein praktischer Charakter, da wir sehen, wie sich sein Stil von schüchtern zu expliziter entwickelt. Die Tatsache, dass er bei Esquire angefangen und beim Playboy gelandet ist, ist auch ein Barometer für Trends bei Pin-Ups.
Während Vargas das Centerfold-Konzept verfeinerte, war einer seiner Zeitgenossen auf der Suche nach einem noch bekannteren Veranstaltungsort, dem eines Superstar-Werbekünstlers.
George Petty hatte für Esquire gearbeitet (Vargas ersetzte ihn nach einem Gehaltsstreit), aber das „ Petty Girl “ war in den 1930er bis 1950er Jahren das Gesprächsthema der Stadt Publikum. Sie hat sich so tief im öffentlichen Bewusstsein verankert, dass ein Film über sie gedreht wurde, eine fiktive Airbrush-Ikone.
Während des Zweiten Weltkriegs begleiteten Pin-up-Girls GIs in Form von Fotos von Filmstars wie Betty Grable und Rita Hayworth . Vargas‘ Pin-ups waren auch in Kasernen und als Artilleriegeschütze der Luftwaffe weit verbreitet.
Darüber hinaus produzierte die Louis F. Dow Calendar Company spezielle Pin-up-Broschüren, die von ihrer Hauptkünstlerin Gillette Elvgren für den Versand nach Übersee entworfen wurden. Schauen Sie sich zum Beispiel die militärischen Pin-up-Kits von Collector's Press an.
Nach dem Krieg Christian Dior seinen „ neuen Look “ ein, die Kriegsbeschränkungen für Luxusartikel wie Nylonstrümpfe wurden aufgehoben und die Unterwäsche wurde schließlich in zwei separate Teile umgewandelt, den Stützhals und die Scheide.
Die Gesellschaft war über die androgynen und wirtschaftlich deprimierten 1930er Jahre hinaus in eine neue Ära des Wohlstands vorgedrungen. Der Schritt zur Kommerzialisierung war in vollem Gange.
Wenn ein hübsches, gesundes Mädchen dazu genutzt werden könnte, ein Produkt zu verkaufen, warum dann nicht ein Mädchen da unten, das bescheiden angibt (aber sie ist immer noch ein „ braves Mädchen “ – es ist nicht ihre Schuld, dass ein verspielter Welpe ihr den Rock über den Kopf geworfen hat!) Wenn jemand für die Explosion wunderschöner vibrierender Krüge verantwortlich ist, dann ist es der Chicagoer Künstler Haddon Sundblom .
Sundbloms üppige Öltechnik hat eine Reihe wichtiger Pin-ups beeinflusst. Der berühmteste Student war Gil Elvgren, der bei Sundbloms Werbeagentur Stevens-Gross neben so namhaften Handwerkern wie Al Buell, Harry Ekman, Bill Medcalf und Joyce Ballantyne arbeitete.
Ihre Technik, dicke Farbschichten zu verwenden, um Wärme und Helligkeit zu erzielen, wird „ Mayonnaise-Schule “ genannt. Weitere Nachkommen dieses Stils der Lichtillustration sind Donald „ Rusty “ Rust, Art Frahm, Peter Driben, Edward D'Ancona, Edward Runci, Vaughan Alden Bass, Al Brule und Pearl Frush.
Neben den volkswirtschaftlichen Gesamtrechnungen für bestimmte Produkte und Dienstleistungen gab es noch andere fruchtbare Märkte für Pin-up-Kunst. Brown & Bigelow beispielsweise versteht sich als Unternehmen für „ Erinnerungswerbung “.
Sie produzieren Bürobedarf, Spielkarten und Kalender, von denen viele für den Druck durch kleine Unternehmen und den anschließenden Vertrieb als Werbeaktion konzipiert sind. Sie beschäftigen einige der besten Talente, um generische und branchenspezifische Kunstwerke zu entwerfen.
rassige Produkte , versuchen sie, ihre konservative oder religiöse Klientel mit solchen Produkten nicht zu verärgern.
Brown & Bigelow unterstützte auch mehrere Pin-up-Stile. Neben den realistischen und direkten Ölgemälden von Elvgren und anderen verwenden sie auch Pastelle, etwa die von Rolf Armstrong, Earl Moran, Billy de Vorss und Zoe Mozert . Sie sind die Begründer des „ Skizzenbuch “-Genres, das von Earl MacPherson und von Ballantyne, TN Thompson , Fritz Willis , KO Munson , Freeman Elliot , Ted Withers und anderen erfolgreich verwendet wurde.
Der Playboy sorgte 1953 mit seinem Marilyn-Monroe-Centerfold für Furore . Bis zu diesem Zeitpunkt war es vor allem Esquire, das Möglichkeiten für eine Generation von Pin-up-Künstlern bot, darunter Ben-Hur Baz , Ernest Chiriaka , Mike Ludlow und J. Frederick Smith . Obwohl Esquire schon früher Pin-up-Fotos gezeigt hatte, enthielten diese nie offensichtliche Nacktheit.
Eine interessante Anmerkung zur Pop-Art-Bewegung der 1960er Jahre ist das Werk von Mel Ramos , der nackte Pin-ups mit erkennbaren Unternehmensbildern zu einer satirischen Mischung aus Käsekuchen und Kommerz kombinierte.
Ein weiterer erwähnenswerter moderner Künstler ist Patrick Nagel, der früh in seiner vielversprechenden Karriere auf tragische Weise verstarb. Obwohl Nagels Werk die kalte Ästhetik von Holzbrettern aufweist und den Betrachter nicht zu einer realistischen Darstellung einlädt, ist die Tatsache, dass seine Originalgemälde und die seiner modernen Zeitgenossen unglaubliche Preise erzielen, ein Beweis für die aktuelle Einstellung zum Thema Pin -up als moderne Kunstform.
Die Einführung expliziter Männerzeitschriften (Penthouse führte 1970 die Welt der Schambehaarung ein) ließ diese unschuldigen Darstellungen urig und altmodisch erscheinen. Fotografie war eine schnelle und einfache Möglichkeit, dem Druck monatlicher Fristen gerecht zu werden.
Supermodels zu bestehen .
Moderne Pin-Ups wie Olivia de Berardinis, Hajime Sorayama, Carlos Cartagena, Jennifer Janesko, Alain Aslan und John Kacere haben ihre Vision auf Fantasy- oder fotorealistische Fetisch-Themen ausgerichtet und verfügen nicht über die Unschuld ihrer Vorgänger. (Viele spezialisieren sich auch auf Airbrush, eine Technik, die ein kaltes, hartes und unnatürliches Aussehen hinterlassen kann.)
Es gibt immer noch Leute wie Dave Stevens, die nicht vergessen haben, wie man ein gutes Mädchen in einer schlechten Situation zeichnet, ohne uns alle anatomischen Details seiner Motive zu zeigen.
Wir haben Dave zu verdanken, dass er nicht nur die Figur des Rocketeer , sondern auch dafür, dass er das Interesse an dem großartigen Pin-up-Foto der 1950er Jahre, Bettie Page, wiederbelebt hat. Wir mögen auch einige moderne europäische Illustratoren wie Milo Manara . (Es gibt auch Eric Stanton , der uns böse Mädchen in schlimmen Situationen beschert hat, aber er ist das Gegenteil von Käsekuchen!)
Kommentare werden vor der Veröffentlichung genehmigt.
